Suspense e surpresa são iguais? Como usar a tensão na minha história? Movimente o público e a sua personagem com nossas dicas importantes! Existem elementos ou beats narrativos que são específicos de cada gênero, mas o suspense não é um deles! Qualquer gênero e formato pode se beneficiar de um ou mais momentos de suspense. Não é um elemento que existe só em thrillers, ação ou terror. Como assim? Esse é um dispositivo narrativo que pode intensificar o mistério, interesse e impacto das informações que você revela no seu filme, série ou livro. Um pouquinho de suspense ajuda o público a envolver-se emocionalmente com o desfecho de uma cena ou sequência. Como resultado desse envolvimento, as pessoas têm mais chance de se preocuparem com o destino das personagens e da história. Porém, pode ser difícil e até abstrato entender como encaixar ou melhorar as sequências de suspense na sua história. Viemos aqui para ajudar com isso! Seja de terror, comédia romântica ou drama familiar, leia nossas dicas abaixo e veja como um bom suspense pode deixar seu roteiro mais interessante! Diferença entre suspense e surpresa Antes de tudo, é importante diferenciar alguns conceitos narrativos que podem ser facilmente confundidos entre si: suspense e surpresa. Os dois são iguais? Podem trabalhar juntos ou não combinam? Suspense é um estado ou sentimento de incerteza que traz antecipação sobre o que pode acontecer. Já a surpresa é uma sensação de espanto ou choque causado por uma ação inesperada, uma revelação ou reviravolta completa de perspectiva. No enredo, as surpresas geralmente aparecem no Incidente incitante, Midpoint e Anagnorisis, se houver. Em 1973, o famoso diretor Alfred Hitchcock deu uma famosa explicação sobre a diferença entre suspense e surpresa, utilizando a sua "Teoria da Bomba". Quatro pessoas estão sentadas ao redor da mesa conversando sobre beisebol, seja lá o que for […]. De repente, uma bomba explode e lança as pessoas pelos ares. O público fica chocado por uns dez segundos. Agora, pegue a mesma cena e mostre ao público que há uma bomba debaixo daquela mesa e ela explodirá em cinco minutos. A emoção do público é totalmente diferente, pois você deu essa informação de que em cinco minutos algo terrível acontecerá. A conversa sobre beisebol se torna vital, pois estão dizendo para você parar de falar besteira e prestar atenção ao problema. Agora, o público está envolvido. […] No filme "Sabotagem", cometi um erro ao fazer esse tipo de cena, pois nunca mais tive a bomba explodindo. Se você fizer isso, deixará o público em um estado de agitação e eles ficarão irritados porque você não lhes proporcionou nenhum alívio, e isso é uma agonia. — Alfred Hitchcock Portanto, Hitchcock não utiliza imagens para chocar, mas para tornar o público cúmplice na construção do sentido do filme. A ideia é sugerir algo e deixar o público descobrir o que vai acontecer. Isso também tem a ver com o ritmo e tamanho da cena ou sequência. Assim, fica fácil de entender que um alimenta a intensidade e significado do outro. Aqui, é importante lembrar que a surpresa precisa ser utilizada com parcimônia! Senão, pode parecer tudo muito "conveniente" ou sem construção. Mas e o mistério? Tem a ver? Em uma entrevista anterior, de 1970, o diretor ofereceu outra opinião sobre isso: O mistério é quando o espectador sabe menos do que as personagens no filme. O suspense é quando o espectador sabe mais do que as personagens. — Alfred Hitchcock Viu como é possível articular milhares de ideias utilizando esses três conceitos? Por que suspense? Ok, mas por que devo me preocupar com alongar a tensão na minha cena? Existe isso em um filme de comédia ou em um melodrama? A resposta simples é: sim. Entenda melhor abaixo. A importância da tensão A tensão conduz os leitores e o público de uma cena para a próxima, de uma fala à outra. Às vezes, a tensão é resultado de um conflito, mas nem sempre. Isso tudo aumenta a curiosidade e engajamento do público, já que ele se importa com o destino das personagens. Para o suspense ser significativo na narrativa em sua totalidade, deve haver consequências claras para as decisões tomadas e as ações realizadas. Um bom exemplo disso é pensar na estrutura de uma piada clássica: você fornece informações, descreve personagens ou faz perguntas. Quanto mais a piada vai seguindo, mais o ouvinte quer chegar no punch-line. Ou seja, o suspense está nessa articulação de informação, ritmo e tom, que vai levar a uma conclusão satisfatória. Assim, podemos pensar na tensão na própria cena, entre várias cenas e mesmo entre atos. O ritmo e as emoções Segundo o guia de escrita Tameri, uma "montanha-russa de emoções" é uma série de cenas que "sobem e descem" com o suspense. Assim, vemos um padrão bem visual de como articular suspense na narrativa (seja no arco da história, em uma sequência ou mesmo na cena): O Setup O Ticking clock A Reviravolta (Plot Twist ou Revelação) Setup ou preparação: é a sequência de eventos e conflitos que levam a um evento maior, cujo resultado está em dúvida. Uma preparação eficaz aumenta as tensões e os medos. Ticking clock e pressão aumentando: suspense pode aumentar quando há um relógio marcando o tempo e adicionando pressão nas personagens. Mais sobre isso logo abaixo! Reviravolta e elemento principal de surpresa: justo quando a personagem pensa que superou a causa de tanto suspense, muitas vezes há uma surpresa ou reviravolta. Este é o clássico "fantasma no reflexo do espelho". As personagens são confrontadas com mais ainda problemas, estresse e/ou medo. As escolhas feitas nesse ponto levam à próxima série de eventos. Assim, as escolhas feitas no momento da surpresa revelam as verdadeiras naturezas dos personagens. Esse momento de surpresa não precisa necessariamente ser antecipado por suspense, como um incidente incitante onde algo apenas surpreende a personagem, sem que essa tivesse antecipando alguma coisa. Recursos narrativos importantes para construir suspense Confira abaixo alguns conceitos que retiramos do livro "Elementos da Escrita de Ficção - Conflito e Suspense", do autor James Scott Bell, para visualizar melhor a construção de tensão no seu roteiro. Ticking clock Clássico elemento narrativo do thriller, ação, aventura e terror, o ticking clock nada mais é do que um prazo ou evento importante que acelera as decisões e circunstâncias da protagonista. Criando uma sensação de urgência, o tempo limitado aumenta as apostas (stakes), aumentando também o suspense. Esse relógio acelera o ímpeto, o ritmo, eleva o nível de conflito e cria um obstáculo maior para a protagonista superar ao longo da história, tornando a estrutura mais eficaz e emocionante. Lembre-se que o ticking clock pode ser qualquer prazo ou evento "final", não precisando ser algo de vida ou morte. Pode ser um concurso, apresentação, casamento, viagem, etc. Antecipação É um dispositivo narrativo que compõe o suspense. Deixe pistas ou indícios ao longo da história de que algo significativo ou perigoso está por vir. Pense nisso também na própria cena, como mencionado por Hitchcock. Isso cria uma sensação de conflito iminente e uma vontade de experienciar o resultado. Tensão crescente Como vimos, aumentar gradualmente a intensidade dos conflitos e obstáculos enfrentados pela protagonista ajuda a levar a trama para a frente e causar antecipação. Em uma jornada mais convencional, cada obstáculo deve ser mais desafiador do que o anterior, mantendo o público envolvido e ansioso pelo resultado. Dependendo da estrutura, formato e gênero, você pode fazer isso através da articulação da teia de personagens, dos beats de gênero, de contrastes entre cenas e muito mais. Objetivos iguais ou conflitantes Coloque personagens uns contra os outros com metas ou desejos conflitantes. As disputas de poder criam tensão e, consequentemente, suspense. Pense em "Succession", que conseguiu manter o suspense prometido no piloto por quatro temporadas. Outra ideia é criar o mesmo objetivo para protagonista, oponente e/ou antagonista - receita perfeita para conflitos e exploração temática. Dúvidas e imprevisibilidade Para criar suspense, introduza elementos de incerteza e imprevisibilidade na história. Quais as verdadeiras motivações de certas personagens? Por que agiram daquela forma? Brinque com o ritmo das informações para manter o interesse. Se for uma narrativa mais convencional, considere isso: no fundo, você sabe que a personagem principal não vai morrer ou "perder" no final, mas é preciso ter dúvidas ao longo do arco! Dúvidas podem também aparecer nas próprias personagens, que podem se perguntar como vencer as adversidades e até acreditar que não são capazes. As emoções das personagens, em grande maioria, vêm de suas lutas internas. Reviravoltas bem construídas Surpreenda ao introduzir reviravoltas inesperadas na trama. Essas peripécias podem ter uma surpresa ou não, mas devem desafiar o progresso da protagonista e forçá-la a se adaptar ou mudar seus planos, aumentando o suspense e as incertezas. Leia nosso artigo sobre plot twists para ajudar nisso. Informação oculta ou segredos Mantenha informações cruciais ocultas do público e/ou da protagonista, criando uma lacuna de conhecimento. Essa lacuna gera tensão à medida que a audiência aguarda ansiosamente a revelação ou descoberta intra-narrativa da informação oculta. Novamente, podemos ficar sabendo de tudo isso do midpoint em diante. Um pouco de mistério cai bem na maioria das histórias! Ironia dramática e In media res São parte da construção narrativa e da poética da obra. A ironia tem relação com o tema e a estrutura escolhida. Permita que o público tenha conhecimento ou consciência maior que as personagens não possuem. Pode ser sobre o tema, contexto, gênero narrativo… Isso cria antecipação e suspense, além de uma interessante simetria estrutural. Um bom exemplo é pensar em como a cena inicial e a final se completam, ou então começar a história In media res e ir construindo até esse momento. * In medias res (do latim "no meio das coisas"): técnica literária e dramática na qual a história começa no meio da estrutura narrativa, em vez de começar no seu início. Tom e ritmo Analisar o ritmo na primeira versão de escrita pode ser difícil. Mas, assim que puder se concentrar apenas nisso, controle o fluxo da história em termos de estrutura, alternando entre momentos de calma e ação intensa. Lembre-se da construção entre setup-ticking clock-revelação que mostramos acima! Pausas bem temporizadas e acelerações estratégicas na narrativa ajudam a construir suspense e manter o envolvimento. O tom das cenas também ajuda: um filme de terror não precisa ser todo terrível, assim como um romance pode tomar seu tempo para acontecer e passar por peripécias, etc. Aqui, entra também a lógica entre informação, suspense e surpresa explicada por Hitchcock. Conclusão Construir suspense no roteiro não é uma tarefa fácil! Não se preocupe se a sua primeira tentativa de argumento ou roteiro não "funcione" nesse sentido. É preciso construir os sentidos e beats para depois escolher se você deve mostrá-los ou não (e quando). Aproveite para apoiar nosso Catarse e participar dos Grupos Fechados WR51, onde dividimos conteúdo extra, exclusivo, propomos encontros e atividades como o CINECLUBE51!

Sua protagonista não tem uma personalidade clara? Seu antagonista está fraco? Leia nossa matéria com ideias práticas para ajudar com isso Arquétipos, beats de estrutura, backstories… Muitas vezes, a construção de uma personagem interessante pode ser difícil. Como entender o que é melhor para a história? Como destacar o seu herói ou antagonista entre tantos outros? Como "preencher" o segundo ato de maneira mais coesa? É importante atender às especificidades do gênero e formato narrativo, mas também transmitir sua voz autoral ou diferencial do projeto. Você pode fazer isso com uma protagonista, um oponente ou personagem secundário bem construído! Para facilitar o processo de criação ou reescrita de uma personagem mais única, separamos aqui 6 dicas e exercícios. Muitas das reflexões são baseadas no conteúdo do nosso ebook "A personagem além das fórmulas", onde discutimos as diferentes esferas das personagens, articulação de tema, falha & força, arquétipos, estruturas, concepção de diálogos e mais! Você pode adquirir o seu aqui. 1. Use o "Real, mas incomum" Essa é uma das dicas mais valiosas de Linda Aronson em seu livro "The 21st Century Screenplay", que serve para desenvolver o plot também. Consiste em unir o pensamento vertical (lógico, estrutural) ao lateral (conteúdo emocional, abstrato), simplificado na frase "real, mas incomum". Ou seja: o pensamento vertical é um mais lógico e pragmático, para decidir o que precisa ser feito em seguida. Arquétipos, estrutura, pontos de virada, etc. Esses são elementos racionais da escrita de roteiro e criação de personagens. Já o pensamento lateral é mais subjetivo e abstrato, que permite que você explore sua imaginação para criar algo incomum ou que surpreenda o público. Na hora de criar personagens mais interessantes, essa parte é ouro! O pensamento lateral envolve pensar fora da caixa, buscando o elemento mais incomum em relação a essa personagem. Portanto, usando a frase "real, mas incomum", pense em uma personagem com traços reais e plausíveis, mas também que sejam incomuns, quase irônicos. Vá contra as expectativas – assim você terá um pouco de ambos. Depois que encontrar o máximo de elementos incomuns que puder, use o pensamento vertical para identificar o que é plausível, sempre mantendo esse equilíbrio. Isso é necessário, pois a protagonista pode se tornar um pouco maluca demais, desviando muito do tom, por exemplo. Além disso, essa é uma ótima frase para verificar se não sua ideia está muito clichê. 2. Desenvolva bem as personagens secundárias Personagens secundárias nem sempre recebem a devida atenção, mas podem ser as melhores partes das narrativas. Ao criar o mundo da sua história, pode ser útil pensar em arquétipos ou "papéis" que precisam ser preenchidos dentro da estrutura ou gênero. Leia nossa matéria sobre isso. Porém, nem todas as personagens secundárias vão se encaixar nos arquétipos ou tropos de gênero, e tudo bem! Sendo assim, o segundo passo é desenvolver as personagens secundárias até virarem seres tridimensionais. Ou seja, com seus próprios objetivos, trejeitos e vozes. Pergunte-se: O que essa personagem quer? Por quê? O que está em jogo se não conseguir o que quer? Quais são os obstáculos externos e internos que enfrenta? Como se veste? Como fala? Por quê? Você não precisa fazer isso para todas as personagens secundárias da sua história, apenas para as mais importantes ou emblemáticas. Uma das principais razões para isso é ajudar na hora dos diálogos. Cada personagem precisa falar com algum propósito e subtexto (ou ausência dele, por algum motivo narrativo). Esse propósito será baseado em seus objetivos, motivações e nos conflitos que enfrentam. Agora, assim como qualquer coisa que você desenvolve para sua história, é improvável que todos os detalhes acabem aparecendo na página. Desenvolva apenas o que vai ser explícito ou externalizado pela personagem – seja por fala, comportamento, escolhas importantes, etc. 3. Subverta expectativas de arquétipos e tropos Essa dica está lado a lado com a anterior: o que você pode trazer de novo para o tropo da "Final Girl"? Como transformar o típico "nerd" em uma personagem única, com interesses e comportamentos específicos a ela? Um bom exemplo é a série Euphoria (2019, HBO), que traz pequenos excertos importantes dos backstories de populares arquétipos estadunidenses. Isso expande a nossa percepção da personagem e suas escolhas. Esse tipo de recurso nem precisa aparecer na narrativa, mas é importante para o desenvolvimento de personagens mais originais e realistas. 4. Defina o que a personagem representa no arco temático Idealmente, em uma narrativa mais convencional, cada uma das suas personagens secundárias precisa cumprir um propósito na história geral. Isso pode ter relação com a estrutura, como, por exemplo: Ajudar a revelar detalhes importantes sobre protagonista ou antagonista; Avançar o enredo de maneiras que a protagonista não consegue; Criar conflitos que atrapalham a protagonista em sua jornada, etc. Quando falamos de uma narrativa coesa, geralmente precisamos ter clareza sobre o tema e premissa da nossa história. Assim, cada personagem irá representar um ponto de vista ou espectro desse tema. Sendo assim, as personagens interessantes podem: Representar o arco de aprendizado de um tema; Revelar ou destacar elementos da caracterização da protagonista, muitas vezes por meio de suas ações, palavras ou histórico pessoal, aprofundando a discussão temática; Motivar, ajudar ou atrasar a protagonista/antagonista; Refletir o status quo ou possibilidades de transformação temática, etc. Portanto, analise bem o universo temático e levante possibilidades fora da caixa para representar esses elementos de discussão. Personifique-os em pessoas ou seres que talvez não esperaríamos que carregassem uma visão de mundo ou comportamento específico! 5. Atribua uma característica difícil de ignorar Além de servirem como características para ajudar a lembrar quem é quem na sua narrativa, as excentricidades podem ser ótimos aliados na hora de construir personagens mais originais. Afinal, cada família, escola, cidade e até universo têm seus diferentões. Apenas se lembre de fazer sentido com o tema e tom escolhido! Alguns exemplos: Dê à sua personagem um sotaque ou uma forma específica de falar; Crie a própria linguagem corporal ou maneirismos. A aparência física de uma personagem vai além de como se parece. Como ela interage com o mundo pode dizer muito sobre o que pensa e sente; Crie uma conexão forte e identitária com um grupo ou família; Dê à sua personagem um estado emocional dominante. A maioria das pessoas tende a entrar em um estado emocional padrão quando está sob pressão, por exemplo; Dê às suas personagens um papel em esconder um segredo, etc. 6. Encontre a mentira da personagem A mentira, ou misbelief, é uma noção, uma visão de mundo ou crença que precisa ser desafiada pelos obstáculos da trama – quando se trata de comédia aristotélica ou jornada de correção. Por isso, o arco de uma narrativa é também o arco da verdade. No nosso Grupo Fechado WR51, dividimos muitos materiais exclusivos que ajudam nessa construção! Considere apoiar nosso Catarse e participar. Para encontrar mentiras pertinentes e únicas à protagonista, antagonista ou outra personagem relevante, não deixe de se questionar coisas como: Que equívoco sua protagonista tem sobre ela ou o mundo? O que lhe falta como resultado? Como a mentira interior se reflete no mundo exterior da personagem? Quais são os sintomas da mentira da sua personagem? Conclusão Criar personagens apaixonantes, temíveis ou simplesmente interessantes pode ser difícil, mas é possível aperfeiçoar esse processo! Quanto mais você lê, assiste, observa e estuda, melhor serão as personificações e pulsões que você criar. Aproveite para adquirir o nosso ebook sobre construção de personagens, "A personagem além das fórmulas"! Trazemos mais de 100 páginas de reflexões, teorias, exemplos e exercícios.

Confira dicas importantes para melhorar a construção de sua personagem e encontrar novas ideias narrativas Protagonistas ativas, donas da sua própria história e capazes das maiores transformações são necessárias, mas não é assim tão fácil conquistar todos esses atributos. Enquanto pensamos no sentido e coerência do plot, é muito fácil deixar nossa protagonista um pouco de lado. Nas últimas consequências, essa protagonista pode acabar sendo arrastada pela maré da trama e perder completamente seu poder de escolha. Afinal, uma protagonista que não colhe aquilo que plantou, não é uma protagonista forte o suficiente quando falamos de estruturas convencionais. Como saber se a protagonista está presa demais a sua zona de conforto? O que podemos fazer para testar os seus limites e descobrir elementos novos sobre ela? Pensando nisso, separamos aqui 4 exercícios práticos para abalar as estruturas da sua protagonista e torná-la ainda mais dona de si. Esses exercícios são inspirados no nosso curso e ebook "A Personagem além das Fórmulas", onde falamos extensivamente sobre possibilidades criativas para chegar em personagens emocionantes e potentes. Confira nossas dicas! 1. Desafie sua personagem No melhor estilo “verdade ou desafio”, é preciso colocar sua protagonista diante de escolhas difíceis, mesmo quando essas situações passam longe das páginas do roteiro. Essa é uma boa maneira de estabelecer a bússola moral da sua protagonista. O que ela faria se sua casa pegasse fogo e só pudesse salvar uma coisa? Ou uma pessoa? Até onde ela iria por amor? Ela seria capaz de saltar de uma ponte para salvar uma vida? Ou ela seria capaz de sacrificar uma vida para conquistar algo? Lembre-se: não é hora de guardar segredo! Neste momento, você transite entre o consciente e o inconsciente da sua personagem. O que ela teria vergonha de admitir, mas que na "hora H" seria capaz de fazer? Teste moral: o assalto Pense nessa situação hipotética: Sua personagem é testemunha de um crime. Vamos dizer que uma pessoa acaba de assaltar uma loja, mas no lugar de usufruir do dinheiro, essa pessoa decide doá-lo para a caridade. Sua personagem sabe quem foi o autor do crime. Se sua personagem decidir levar a questão às autoridades, é possível que o dinheiro, anteriormente doado, retorne ao banco, prejudicando a vida de crianças carentes. Neste caso, sua personagem é guiada por um senso máximo de justiça? Talvez ela considere que roubar é errado e ponto final. Por outro lado, será que ela é o tipo de pessoa que entende que os fins justificam os meios? 2. Crie um conflito capaz de mudar a forma como sua personagem age e/ou pensa Boas protagonistas são resistentes à mudanças, pois as raízes criadas na sua zona de conforto são fortes o suficiente e ligadas a sua falha central. A transformação tão necessária no fim da jornada é tomada por conflitos que testam essa falha – portanto, nada fácil! É muito comum negligenciar essa jornada de transformação como um todo e perder o rumo da “correção da falha”. Por outro lado, às vezes nossa protagonista pode experimentar uma transformação conveniente e fácil demais, sugerindo ao espectador que a sua falha central nem era uma questão tão grave assim – o que enfraquece a trama como um todo. Como fugir dessa? Ora, experimente pensar em uma situação forte o suficiente para fazê-la mudar completamente a forma como ela encara o mundo ou determinada situação. Por exemplo: Digamos que a falha central da sua protagonista é a extrema falta de confiança nos outros. Assim, ela se torna incapaz de dividir qualquer coisa, concentrando em si todas as responsabilidades. Para essa protagonista, a jornada de correção exige que ela se encontre em uma situação extrema, onde depender do outro pode salvar algo de muito valioso para si. O que faria essa pessoa mudar drasticamente de opinião? Até onde vai a sua falta de confiança? Ela seria capaz de arriscar a própria vida pela incapacidade de confiar no outro? E quando a confiança é necessária para salvar a vida da pessoa que ela mais ama? Neste caso, ela daria uma chance à força? Pense em uma situação limítrofe, mesmo que você não a utilize mais tarde, que faria sua personagem encarar seus medos e sua maior falha, colocando-a diante de um importante sacrifício. Esse tipo de exercício ajuda também a encontrar outras possibilidades estruturais e de até de cenas. 3. Fofoque sobre sua personagem Uma das melhores ferramentas de construção de personagens interessantes é a boa e velha fofoca. Isso mesmo! Como princípio, a fofoca nasce quando há algo de interessante a ser dito. Ou melhor, algo fora do comum, acima das expectativas. Uma fofoca que cai na mesmice é... péssima. Sem graça. O fofoqueiro aumenta, inventa o que for necessário, traça um juízo de valor e, normalmente, tenta ser coerente com sua tese. Se a tese do fofoqueiro é "fulano é um mentiroso", a apresentação que ele fará dessa personagem privilegiará os pontos que reforçam esse grande desvio de caráter. Se uma fofoca sobre sua protagonista rolasse solta na praça, o que as demais pessoas da vida dela diriam? Como cada um a encara? Uma antagonista do trabalho, de olho na promoção, não a veria da mesma forma que o seu irmão adorado, por exemplo. A fofoca é como uma caricatura – ela pega uma falha identificável e a deforma ao prazer daquele que a conta. Isso é importante, também, para analisar se a sua construção não está estereotipada ou muito rasa. Nessa brincadeira de fofocar sobre sua protagonista, é possível elevar o volume de algumas características que, por vezes, estão mais apagadas e deveriam ter mais destaque em algum momento. 4. Lembre-se: o corpo fala Diálogos são importantes e têm maior ou menor relevância de acordo com a proposta de cada produto audiovisual. Dito isso, é importante lembrar que o diálogo não pode ser uma muleta e por vezes é muito fácil usá-lo como forma de revelar questões internas. Considere pensar um pouco na linguagem corporal e como ela pode ser um produto de toda a vivência da sua protagonista. Se sua personagem perdesse a habilidade da fala, como ela lidaria com o dia a dia? Ela é uma pessoa ágil, solta, que gosta de gesticular, abraçar e sentir o calor humano? Ou ela é mais retraída? Experimente exercitar situações que exigem da sua protagonista domínio do seu próprio corpo, seja para escapar de algo, para dissimular ou mesmo demonstrar difíceis sentimentos. As palavras vão até certo ponto e muitas vezes escondem mais do que revelam. O corpo, por outro lado, costuma ser mais “verdadeiro”. Usar expressões corporais para complementar ou mesmo contradizer diálogos é uma forma inteligente de pensar as falas. Que tal usar a existência alheia como inspiração? Pode ser uma pessoa famosa, um familiar ou estranho que você observou na rua. Isso nos ajuda a trazer manias, cacos, a própria estrutura da fala e a postura corporal para a construção. Conclusão Esses 4 exercícios de construção de personagem são algumas das muitas ferramentas que você pode utilizar para tirar sua protagonista da zona de conforto e testar os seus limites. Protagonistas passivas, flats ou desinteressantes no geral são responsáveis por afundar até mesmo as melhores tramas. Portanto, muita atenção na hora de construir personagens. Quer aprender outras importantes ferramentas narrativas para construção de personagens complexas? Participe da 2ª edição do nosso curso “A personagem além das fórmulas”! São 4 aulas ao vivo que ficarão gravadas para inscritos, com conteúdo teórico e análise prática. Além de tudo, você leva um material complementar em forma de ebook com mais de 100 páginas de conteúdo! Inscreva-se logo, pois as inscrições fecham no início de junho.

Traduzimos algumas dicas do famoso cineasta para ajudar a conceber o seu projeto Quem é Michael Moore? Michael Moore é um diretor, roteirista, produtor e documentarista norte-americano, conhecido pela sua postura crítica, sobretudo em relação à violência da sociedade americana, às grandes corporações, às desigualdades sociopolíticas e econômicas. Seus documentários mais conhecidos envolvem "Tiros em Columbine" (Bowling for Columbine; 2002), "Fahrenheit 11 de Setembro" (Fahrenheit 9/11; 2004) e "Sicko" (2007). Entre outras coisas, Moore possui um famoso jeito controverso e direto de falar. Confira abaixo alguns destaques da sua palestra publicada na IndieWire em 2014, traduzidos e adaptados por nós. Para ter acesso à tradução completa, conteúdo exclusivo e mais, apoie nosso Catarse! 6 dicas de Michael Moore para documentários mais impactantes 1. Essencialmente, a 1ª Regra do “Clube da Luta” Qual é a primeira regra do “Clube da Luta”? A primeira regra do “Clube da Luta” é: “Não fale sobre o 'Clube da Luta'”. A primeira regra dos documentários é: "Não faça um documentário — faça um filme". Pare de fazer documentários. Comece a fazer filmes. Você escolheu esta forma de arte – o cinema, essa incrível e maravilhosa forma de arte, para contar sua história. Você não precisava necessariamente fazer isso. Se você quer fazer um discurso político, pode se filiar a um partido, pode fazer um comício. Se você quer dar um sermão, pode ir ao seminário, pode ser um pregador. Se você quiser dar uma palestra, você pode ser um professor. Mas você não escolheu nenhuma dessas profissões. Você escolheu ser cineasta e usar a forma do Cinema. Então faça um FILME [...]. Se você tem dificuldade em se chamar simplesmente de “cineasta”, então por que você está neste negócio? Muitos de vocês dirão: “Bem, eu faço documentários porque acho que as pessoas deveriam saber sobre o aquecimento global! Eles deveriam saber sobre a Guerra de 1812! O público deve ser ensinado a usar garfos, não facas!! É por isso que faço documentários!” Ouça a si mesmo. Isso soa como uma repreensão. Como se você fosse a Madre Superiora com uma régua de madeira na mão. “Eu sou aquele que sabe tudo e devo transmitir minha sabedoria às massas!” Ah, agora entendi. É por isso que dezenas de milhões vão aos cinemas todas as semanas para assistir a documentários – porque estão morrendo de vontade de saber o que fazer e como se comportar. E o público, as pessoas que trabalharam duro a semana inteira – é sexta à noite e eles querem ir ao cinema. Eles querem que as luzes se apaguem e sejam levados para algum lugar. Eles não se importam se você os faz chorar, se você os faz rir, se você os desafia a pensar. Mas eles não querem ser repreendidos ou ver nosso dedo invisível balançando fora da tela. Eles querem se divertir. Quando Kevin Rafferty e seu irmão fizeram “Atomic Café” em 1982, a lâmpada acendeu para mim. Eles compilaram todos esses clipes de todos os filmes de terror da era da Guerra Fria. “Atomic Café” foi um filme engraçado – sobre o fim do mundo – e o público riu histericamente do início ao fim. Mas o riso serviu a um propósito muito maior. O riso é uma forma, antes de tudo, de aliviar a dor daquilo que você sabe ser a verdade. E se estamos tentando ser verdadeiros como cineastas, então o que há de errado em dar ao público uma colher de açúcar para "ajudar a descer"? Já é bastante difícil para as pessoas pensar sobre essas questões e lidar com elas, e não há absolutamente nada de errado em deixá-las rir, porque o riso é catártico. Além disso, não quero que as pessoas saiam do cinema deprimidas depois dos meus filmes. Eu os quero com raiva. Deprimido é uma emoção passiva. A raiva é ativa. A raiva significará que talvez 5%, 10% desse público se levantará e dirá: “Tenho que fazer alguma coisa. Vou contar aos outros sobre isso. Vou pesquisar mais sobre isso na internet. Vou me juntar a um grupo e lutar contra isso!” Ou, no caso de Quentin Tarantino, que era o presidente do júri em Cannes quando deram a Palma de Ouro a “Fahrenheit 9/11” e me disse no jantar: “Tenho que contar a você o que seu filme realmente fez por mim. Nunca votei na minha vida, na verdade, nunca nem me registrei para votar – mas a primeira coisa que vou fazer quando voltar para Los Angeles é me registrar para votar". E eu disse: “Uau, o que você acabou de me dizer é mais importante do que essa Palma de Ouro. Porque se o que você vai fazer for multiplicado por outro milhão ou 10 milhões de pessoas que assistem a esse filme – cara. Vou me sentir ótimo por ter vivido para fazer este filme e ver isso acontecer.” Acho que é o humor que leva as pessoas até esse tipo de conclusão [...]. Se o humor puder ser usado de forma devastadora para sacudir as pessoas de seus assentos e fazer algo de verdade, valerá a pena. O humor pode ser devastador. O riso, o ridículo, pode ser uma faca muito afiada para ir atrás de quem está no poder, para ir atrás de quem está machucando os outros. Não entendo por que mais pessoas não fazem isso – usam humor em seus documentários. Também não entendo por que tantos documentaristas pensam que a política ou a mensagem de seus filmes é a principal prioridade, em vez da arte do cinema, e fazer um bom filme. A arte do filme é mais importante para mim do que a política. Sim, eu disse isso! A política é secundária. A arte [storytelling] está em primeiro lugar. Por que? Porque se eu fizer um filme ruim, a política não vai atingir ninguém. Se eu ignorar a arte, se eu não respeitar o conceito de cinema, se eu não entender porque as pessoas gostam de ir ao cinema, ninguém vai ouvir uma única palavra sobre política e nada vai mudar. Então a arte tem que vir primeiro. 2. Não me diga m*rdas que eu já sei Não assisto a esses tipos de documentários que me acham um ignorante. Não me diga que a energia nuclear é ruim. Eu sei que é ruim. Não vou desistir de duas horas da minha vida para que você me diga que é ruim. Sério, não quero ouvir nada que eu já saiba. Não gosto de assistir a um filme em que os cineastas obviamente pensam que são as primeiras pessoas a descobrir que algo pode estar errado com os alimentos geneticamente modificados. Você acha que é o único que sabe disso? Sua falha em confiar que existem realmente algumas pessoas inteligentes por aí é a razão pela qual as pessoas não vão assistir ao seu documentário [...]. Ao fazer “Roger & Me”, eu disse à equipe, à equipe, aos editores, que estávamos fazendo um filme sobre a capital do desemprego nos Estados Unidos – e não haveria uma única cena da linha do desemprego no filme. Não vou usar as mesmas imagens antigas que são usadas semana após semana. As pessoas estão insensíveis a essas imagens. Elas as veem repetidamente. Precisamos mostrar a eles algo que os faça sentar em suas cadeiras e dizer: "Jesus, esta não é a América em que eu quero viver!" 3. Não use o modo "palestra universitária" de contar uma história Isso tem que parar. Temos que inventar uma maneira diferente, um tipo diferente de narrativa. Não sei como fazer isso, porque fiz apenas três semestres na faculdade. Mas uma coisa pela qual sou grato é que nunca aprendi a escrever uma redação para a faculdade. Eu odiava a escola, sempre odiei a escola. Não foi nada além de regurgitação para o professor de algo que o próprio professor disse; ter que lembrar e escrever de volta em um pedaço de papel. Matemática nunca foi um problema. Outra pessoa já havia resolvido o problema e colocado no livro de matemática. O experimento de química não foi um experimento. Alguém já fez isso e agora está me obrigando a fazer, mas ainda chamando de experimento. Nada era um experimento lá. 4. Acho importante tornar seus filmes pessoais Não digo colocar-se necessariamente no filme ou na frente da câmera. Foi por acaso que acabei em “Roger & Me” [...]. As pessoas querem ouvir a voz de uma pessoa. A grande maioria desses documentários de maior sucesso são os que têm uma voz pessoal. Eu sei que a maioria dos documentários fica longe disso; a maioria não gosta de narração e apenas colocam alguns cartões para explicar o que está acontecendo. Mas o público está se perguntando: quem está dizendo isso para mim? Você sabe quando vê um filme de Scorsese que é ele quem está dizendo isso. Eu sabia quando fui ver “Gravidade”, porque foi feito por Alfonso Cuarón, que não iria ver um filme 'de Hollywood', mesmo sendo distribuído pela Warner Brothers. Não era um filme americano. Eu ia ver um filme mexicano. Ele é um cineasta mexicano. Se você já viu seus filmes, incluindo o sombrio Harry Potter dele, sabe que não tem como prever o que iria acontecer no filme. Se ninguém estragou tudo para você, era muito possível que Alfonso Cuarón pudesse matar Sandra Bullock e George Clooney e qualquer outra pessoa no espaço. Ele é um cineasta mexicano! E foi isso que tornou “Gravidade” tão emocionante para mim, porque eu não sabia o que iria acontecer nos próximos 10 minutos, como faço na maioria dos filmes de Hollywood. Você também não quer que seu público saiba. Em “Gasland” (2010) quando eles colocaram fogo na água, eu nunca tinha visto isso antes! Eu não esperava isso. É quando as pessoas começam a contar a seus amigos sobre isso. Eles dizem a seus amigos no trabalho: “Você precisa assistir a este filme”. 5. Aprenda com o storytelling de livros e TV de não-ficção [...] Abra a seção de resenhas de livros do New York Times neste domingo. Haverá três vezes mais livros de não-ficção revisados ​​do que livros de ficção, três vezes mais. Livros de não-ficção vendem muito e a televisão de não-ficção é enorme! Veja as classificações. Os 25 principais programas da semana têm vários programas de não ficção, desde os mais inteligentes, como “60 minutos”, até coisas como “Dancing with the Stars”. Mas também há Stephen Colbert. E Stewart, Bill Maher e John Oliver. Estes são programas de não-ficção e são extremamente populares. Eles usam o humor, mas o fazem para dizer a verdade. Noite após noite após noite. E isso para mim se torna um documentário. Isso se torna não-ficção. As pessoas adoram assistir Stewart e Colbert. Por que você não faz filmes que vêm desse mesmo espírito? Por que você não iria querer o mesmo grande público que eles têm? As pessoas querem a verdade E querem ser entretidas. 6. O som pode ser mais importante que a imagem Pague ao seu profissional de som o mesmo que você paga ao de fotografia, especialmente nos documentários. O som carrega a história. Em um filme de ficção e não-ficção também. Você está em uma sala de cinema onde está um pouco fora de foco ou talvez o quadro esteja transbordando para a cortina. Ninguém levanta, ninguém fala nada, ninguém vai avisar o projecionista. Mas se o som acabar, há um tumulto, certo? Se a foto for ruim, ou se você tiver que correr porque a polícia está atrás de você e a câmera estiver balançando por toda parte, o público depois não vai dizer: “Ei, por que essa câmera está balançando?" Digamos que você não fotografou algo totalmente em foco, você teve que filmar muito rapidamente. O público não se importa – SE a história for forte e eles puderem ouvi-la. É nisso que estão prestando atenção. Essas foram algumas das dicas de Michael Moore para pensar ou melhorar seus projetos de documentário. Considere apoiar nosso Catarse para ter acesso a materiais exclusivos, encontros sobre narrativa, descontos e mais!

Trazemos uma análise estrutural adaptada do CINECLUBE51, um de nossos eventos exclusivos para apoiadores. Confira! Que terror é um dos gêneros mais amados do cinema, nós sabemos. Mas como reinventar os beats sem sair do que é esperado e adorado pelo público? Vários filmes atuais andam surpreendendo o público e "M3GAN" (2022) foi um dos títulos recentes que apostou em um limite entre o sério e o absurdo, dividindo opiniões e arrecadando uma legião de fãs. Em seu lançamento "The Anatomy of Genres: How Story Forms Explain the Way the World Works" (2022), o autor John Truby decodifica e analisa o que ele entende como a essência dos gêneros narrativos, a fim de ajudar roteiristas e autores a construírem histórias universalmente impactantes. O autor inicia analisando o horror, tecendo uma teoria narrativa extremamente esclarecedora. Nesse artigo, unimos o conhecimento de Truby aos destaques do CINECLUBE51, evento exclusivo para apoiadores do nosso Catarse. Analisamos filmes e episódios de séries em encontros com bastante troca de conhecimento. Se interessou? Saiba mais e continue lendo! Terror: convenções e essência do gênero Muitas pessoas confundem convenções com clichês, mas isso é um erro! Convenções são estruturas, plot points ou elementos narrativos que já são conhecidos, assimilados e esperados pelo público de algum gênero, como terror, comédia romântica ou policial. A tensão, o susto ou repulsa, por exemplo, são sensações convencionais que um filme de terror causaria. Já um clichê é uma convenção mal construída, repetida à exaustão ou até mesmo nociva para a sociedade (estereótipos). Um clichê é algo que já está no inconsciente coletivo há muito tempo, nunca sendo atualizado ou melhor desenvolvido. Portanto, convenções caracterizam um gênero. Espectadores já esperam enxergá-las num filme com gêneros bem demarcados, podendo se frustrar ou se confundir sem elas. Leia nosso texto sobre algumas convenções e temáticas comuns ao terror Em "The Anatomy of Genres", John Truby decodifica vários beats do horror, trazendo uma teoria histórica, psicológica e emocional para as possíveis interpretações dessas convenções. Sobre o horror, Truby afirma que, dentre outras coisas, sua essência é basicamente um embate entre a luta pela sobrevivência VS encarar uma ameaça. A ameaça, em sua última instância, é o Outro, o desconhecido. Esse desconhecido pode ser algo que vive dentro de nós, sendo assim um dos horrores narrativos e existenciais mais assustadores. Truby afirma que é com o passado que a personagem vai lutar, confrontando uma falha de caráter como em outras estruturas narrativas. Truby também menciona as diferenças metafóricas entre dois símbolos muito utilizados no terror: o porão e o sótão. O porão seria o elemento do passado enterrado e o sótão, o inconsciente, o elemento ou mente assombrada. Mas como isso se enquadra em "M3GAN"? Separamos alguns destaques do nosso encontro exclusivo sobre a estrutura narrativa do filme. Confira e considere apoiar! [Esse artigo vai discutir pontos narrativos do filme "M3GAN" (2022) em detalhes e pode trazer spoilers para quem não assistiu.] As personagens de "M3GAN" carregam a narrativa Não é segredo que nós do WR51 acreditamos muito na força das personagens. Em "M3GAN", a protagonista não é Cady (Violet McGraw), embora ela seja apresentada primeiro. Trata-se de sua tia Gemma (Allison Williams). Sendo assim, o filme parte de um beat clássico do horror: os fantasmas do passado. Trata-se de um trauma, um fantasma literal ou um segredo, associado muitas vezes à figura do porão, que assombra a protagonista, obrigando a personagem a aniquilar essa "profecia" do passado. Ao invés de ser um "fantasma" relativo à Gemma, o filme traz esse trauma em relação à Cady. Cady: criança introspectiva, solitária, que substituiu por muito tempo a atenção dos pais por um brinquedo interativo. O pai prefere que ela seja sugada pela atenção virtual substituta do que o incomodar interagindo com eles. Cady perde os pais em um acidente e lida com uma "culpa de sobrevivente". Qual a sua falha? Segundo o "The Nutshell Techinque", de Jill Chamberlain, personagens crianças não têm falhas. Elas passam por aprendizados, ou então são veículos para que a falha da protagonista seja testada. Cady é uma personagem essencial pois possui uma ligação existencial com a protagonista: Gemma, que deu M3GAN (Amie Donald) de presente para Cady. A boneca é uma falsa solução, o prelúdio do problema. Ela é capaz de "tapar" uma ausência emocional, mas isso pode acabar sendo fatal. O terror, afinal, trabalha com extremos. Qual o extremo do amor e da proteção? O filme parte de uma premissa que leva essa ideia à sua última instância: amar demais pode ser fatal. Gemma: a tia rica, inteligente, autocentrada, ambiciosa, workaholic. Gemma indiretamente alimenta sua falha já no início, representada pelo brinquedo. Não pensa em construir família no momento (ou seja, a maior "vilã" de Hollywood depois de russos e comunistas). "Ela é um pouco como o Dr. Frankenstein, não é? Ela criou esta situação. Ela é um gênio. Ela é muito boa no que faz. Essa é a parte de sua vida que é mais significativa para ela e na qual ela dá mais atenção. A parte dos relacionamentos foi negligenciada por muito tempo e, de repente, ela é mãe e simplesmente não sabe como lidar com isso." - Allison Williams (atriz de Gemma) Novamente, segundo a Nutshell Technique, o desejo primário da protagonista a leva ao fim do primeiro ato, onde ele será conquistado. A solução do desejo vem imediatamente seguida de um “catch”, ou consequência - o clássico “Cuidado com o que você deseja”. Estrutura e implicações narrativas do primeiro ato No filme, o conflito inicial parte do chefe de Gemma, que precisa urgentemente que ela faça um novo modelo do Petz (brinquedo que se utiliza de uma simples inteligência artificial e agora é produzido pela metade do preço por concorrente). O chefe quer uma solução mais simples, para que consiga dominar o mercado. Isso vai contra o desejo de Gemma, que envolve complexificar as coisas. Ela precisa provar ao chefe o valor do projeto que vem tirando seu tempo. Desejo primário: dar o próximo passo no seu projeto de construir um brinquedo de Inteligência Artificial capaz de substituir uma pessoa, com quem a criança pode crescer, aprender e ter emoções genuínas. Incidente incitante: depois do acidente que mata os pais de Cady, ela se muda para a casa da tia. Parece uma entrada no mundo especial, mas como o próprio título sugere, esta virada acontecerá apenas quando M3GAN se tornar parte da dinâmica familiar. A vinda de Cady para a casa de Gemma é o incidente que empurra a tia para as soluções que precisa para terminar o seu ambicioso projeto e justificar sua importância ao seu chefe. Portanto, é graças a Cady que Gemma entende que M3GAN pode ser muito mais do que um brinquedo: ela pode ser uma importante ferramenta para as crianças lidarem com o luto. Assim, Cady é quem vai sublinhar a falha de Gemma, com seu luto materializando esse "fantasma herdado" do horror. Desde o início, há um problema sério de comunicação entre elas. Cady "invade" o mundo particular de Gemma e é preciso resolver essa questão. Gemma não sabe como se aproximar da menina e ajudá-la a lidar com seu trauma. A solução, para ela, envolve um terceiro elemento a ser apresentado: M3GAN. M3GAN: em um arquétipo Frankenstein atualizado, ela pode ser entendida como o monstro ou fantasma a ser aniquilado na história de terror. É um elemento moldável, que reflete as ameaças na 'sombra' e falhas de caráter das protagonistas. Para Gemma, ela não é só um brinquedo. Ela é uma companhia, ela é tudo o que seu filho precisa. Isso a faz abdicar do Petz para trabalhar na boneca, uma escolha climática que a levará a testar sua falha e também ser mais empática com o luto de Cady. O mesmo objetivo, meios diferentes: a relação entre M3GAN e Gemma é uma relação de rivalidade. É o antagonista que tem o mesmo objetivo da heroína, mas visões diferentes sobre aquilo, opostos de um mesmo desejo. Tanto Gemma quanto M3GAN querem a mesma coisa: o bem de Cady. Mas isso significa coisas diferentes de uma para a outra. Esse espelhamento é uma das bases de uma boa construção protagonista/antagonista. O segundo ato: aumentando o perigo No filme, a entrada para o segundo ato se dá quando M3GAN está viva, é sincronizada com Cady e é apresentada ao chefe. Assim, Gemma conquista seu desejo primário: convencer o chefe de investir no seu projeto, graças a Cady. Mas… no terror, a felicidade não costuma durar muito. Catch: Ao conquistar seu desejo, Gemma recebe o "catch", uma consequência ou um risco inerente a ele. No caso, Cady está diretamente ligada ao projeto. Para subir na carreira e conquistar seu sonho, comercializando a M3GAN, Gemma precisa de Cady. Essa é uma consequência direta de uma decisão tomada pelo chefe, mas alimentada pela protagonista. É algo que ela terá de lidar e se mostrará como uma grande consequência mais tarde. Parte dessa consequência é o próprio pareamento da menina: essa é a manifestação direta do problema a ser resolvido no final e a ligação se torna mais forte do que o previsto. É por causa do catch que a narrativa chegará no seu ponto mais baixo mais à frente, onde o desejo primário se torna o pior pesadelo da protagonista. Se o desejo primário é dar vida à M3GAN, seu pior pesadelo necessariamente precisa ser M3GAN estar viva. E isso remete à essência de vida vs morte, matar ou morrer. Em "Save the Cat!: The Last Book on Screenwriting You'll Ever Need", o autor Blake Snyder aponta um beat importante em qualquer estrutura: o fun and games, ou a promessa da premissa. Fun and Games: grande parte do segundo ato. M3GAN faz o que Gemma precisa fazer mas que não é capaz – substituir a mãe de Cady. O que parece um conforto fácil, esconde, na verdade, um problema que alimenta a vulnerabilidade da menina. Paralelamente, alimenta também a falha de Gemma em não se conectar com ninguém e focar apenas no seu trabalho. Mas antes dela sofrer essas consequências, as duas vivem divertidas aventuras e brincadeiras. O fun and games estão ligados diretamente ao sucesso de Gemma, que "esconde" a piora da falha. Em nosso ebook "A Personagem além das fórmulas", falamos muito sobre a relação entre força e falha, já que são essenciais à construção do personagem. M3GAN substitui Gemma em todas as instruções e conexões que ela precisava exercer na vida de Cady. Portanto, M3GAN estimula a falta de empatia da protagonista e Gemma fica ainda mais focada na carreira. Isso é narrativamente alertado por uma personagem dinâmica que faz papel de aliada, uma colega de trabalho de Gemma. Ainda assim, a protagonista decide ir rumo à falha. Riscos aumentam: M3GAN mostra que é capaz de “ligar” e “desligar” quando bem entender. Ela é autônoma e está constantemente pareada à Cady, sua maior prioridade. Isso aumenta o perigo do "monstro" e a ameaça à integridade física dos demais. Esses riscos também são potencializados pela protagonista. M3GAN seguirá à risca as instruções de Gemma o que provará que, no fim, ela é a sua própria inimiga. Ela precisará vencer a sua criação, provando seu instinto de salvar Cady, mesmo que isso signifique sacrificar-se pela menina. É com essa instrução que M3GAN começa a se tornar hipervigilante e levar a sério qualquer possível ameaça à Cady. Ou seja, M3GAN segue a instrução de Gemma, sua criadora. Ao contrário do monstro de Frankenstein, M3GAN tem um motivo específico para existir, além de um entendimento maior do que ela realmente é. Só que, por se tratar de um terror com inspirações sci-fi, M3GAN testa esses limites e traz à tona o medo que o ser humano tem de sofrer os descontroles das máquinas. O diálogo com o horror: somos seres humanos, falhos e frágeis. A máquina, incapaz de fazer essas distinções, por mais desenvolvida que seja, é o inimigo perfeito para um filme de horror. É o ser imortal que nos lembra da nossa própria mortalidade e é capaz de acelerar esse processo. Em uma apresentação a investidores, Cady se abre pela primeira vez sobre o acidente que matou os pais e M3GAN estabelece uma conexão, convencendo todos do seu valor. Gemma, então, conquista o prestígio que queria (um complemento ao seu objetivo primário): impressionou a todos e vai ganhar mais verba para o projeto. Ela vive o topo dos seus objetivos profissionais, mas consequentemente o ponto mais baixo do seu papel como guardiã de Cady. Para além de discussões morais extra fílmicas, o filme "M3GAN" deixa claro que, no seu discurso, a carreira e a família não podem coexistir. A discussão temática é de que um lado precisa ser sacrificado pelo outro. Isso vira o dilema, a escolha a ser feita pela protagonista. E, aqui, Gemma vive os louros da sua escolha profissional. Em consequência disso, Cady passa a se afastar ainda mais da tia. M3GAN, então, entra em uma sucessão de crimes em prol de seu objetivo e Gemma se torna sua maior inimiga. Progressão da convenção – a iminência da mortalidade: Gemma tem como inimiga um ser imortal e ela precisa enfrentar sua própria mortalidade se quiser superá-la. Ela irá superar M3GAN quando o fato de ser humana der a ela a peça que falta em M3GAN: uma conexão humana e real com Cady. Um passo em direção à força: Gemma aceita abdicar do trabalho para cuidar de Cady na atividade escolar ao ar livre. Gemma já entende a importância da socialização na vida de Cady e como isso não pode ser substituído por devices. É um grande contraste com a Gemma do primeiro ato, que deixava Cady usar seu tablet pelo tempo que quisesse. A tensão aumenta e os perigos da obsessão de M3GAN ficam aparentes à Cady. Assim, ela passa de amiga à refém de M3GAN. Ao falar com o investigador, Gemma também entende os perigos dela: a boneca está por trás de 3 mortes. É o fim da sequência que possivelmente representa o midpoint, onde a sorte da protagonista muda violentamente e ela tem uma clareza muito maior do perigo que enfrenta. Agora, chegar à força exige de Gemma um sacrifício. Quando a protagonista decide pela força e identifica sua falha, é importante mostrar esse passo como um grande desafio. Ela precisará sacrificar algo importante, que alimenta a falha. No seu caso, a apresentação ao público, sua carreira. Assim, Gemma e Cady finalmente encaram, juntas, a morte dos pais da menina. O luto é o real "fantasma". Elas finalmente desistem da M3GAN e vão embora. Idealmente, porém, esse beat seria mais impactante e traria riscos mais altos. Terceiro ato: matar ou morrer Esse é o ato de maior tensionamento narrativo, onde vemos os extremos das temáticas discutidas e também do embate literal entre vida e morte. Decisão climática: M3GAN, a antagonista, oferece à Gemma o caminho da falha uma última vez. Esse é o momento de Gemma tomar a decisão climática pela força. Quando M3GAN ameaça a sua vida, Gemma se coloca em risco para poupar Cady. É o sacrifício que muda sua trajetória. No horror, fugir é a primeira reação,, mas no final é preciso enfrentar o monstro. O pacto com o passado: como mencionamos, para Truby, o horror nasce dessa herança maligna que não nasce com a protagonista, mas deve ser solucionada por ela. A única resposta possível a essa maldição também precisa vir do passado. Sendo assim, enfrentar o monstro envolve necessariamente um retorno à tradição. Resolver esse passado primeiro, então derrotar a ameaça externa. Cady e Gemma destroem M3GAN com ajuda de Bruce, um brinquedo robótico que Gemma desenvolveu e abandonou num canto (pode-se dizer que esse abandono tem a ver com a sua ambição de carreira e falta de cuidado). Convencionalmente, a protagonista é a responsável por esse enfrentamento, mas, aqui, ela é representada por Bruce, criação sua. Ele, por sua vez, é manipulado por Cady, trazendo uma pincelada de crescimento e transformação para essa personagem. Esse é o ponto onde não só Gemma aceita seu papel materno, como Cady a aceita como sua mãe substituta. Temos também o falso final, outro beat clássico do horror (e outros gêneros, como o thriller) que Truby discute no seu livro. Elas, então, derrotam o monstro juntas, materializando o sentido simbólico do enfrentamento do medo da morte. Gemma arranca o rosto falso de M3GAN e encaram o seu vazio, um símbolo para o real vazio emocional da máquina. Porém, por se tratar de um final "de preparo" para uma franquia, entendemos que a IA não foi destruída e poderá retornar no futuro. Conclusão Enquanto "M3GAN" está longe de ser um filme "perfeito", ter um discurso impecável ou ser adorado universalmente, a sua estrutura é uma boa base para falar sobre diversos beats do horror moderno. E não é porque é um blockbuster que não pode lidar com temáticas profundas, como conexão humana, luto e existencialismo. O CINECLUBE51 acontece mensalmente e a escolha do filme/episódio é sempre votado pelos apoiadores. Quer participar? Conheça nosso Catarse!

Trazemos dicas inspiradoras e uma lista robusta para você pensar em defeitos narrativos mais objetivos Tanto na vida real, como na ficção, ninguém é perfeito – e é isso que deixa os conflitos narrativos muito mais potentes e interessantes! Porém, muitas vezes, pode ser difícil conceder defeitos que dão um arco aos personagens ou implicam em um arquétipo, etc. Mas tais falhas não só enriquecem a história trazendo motivações mais profundas como podem influenciar diretamente na trama principal. Não se trata de escolher três falhas aleatórias e seguir o baile. Trata-se de construir personagens humanas, complexas e que atraem o olhar do público, carregando adiante um tema a ser explorado. Para ajudar nessa construção, trazemos conceitos de falha de caráter, os diferentes tipos que existem e muito mais! Traduzimos e adaptamos o texto do Reedsy e complementamos com informações presentes no nosso ebook "A Personagem Além das Fórmulas", que você pode conhecer melhor clicando aqui. Acompanhe! O que é uma falha narrativa? Uma falha de caráter de uma personagem é uma qualidade negativa que afeta ela mesma ou a outros de maneira nociva. O grau desse efeito varia muito, com base na própria falha, no núcleo social da personagem e do poder que ela tem sobre outras. Uma personagem prolixa pode ser desagradável de se conversar, mas certamente seria muito mais agradável do que uma personagem que deseja matar alguém. No entanto, “tagarela” e “homicida” se enquadram igualmente no espectro de falhas de caráter. Entre essas duas características existe um vasto oceano de coisas infelizes que a personagem pode ser: teimosa, irritante, egoísta, agressiva, obsessiva ou simplesmente ingênua, por exemplo. Cada uma das falhas tem certas consequências esperadas - mas a beleza é que cada característica pode se apresentar de maneira diferente em diferentes personagens, dependendo das circunstâncias e papel narrativo das mesmas. Em termos estruturais, a falha pode ser o aspecto central da "necessidade" que a personagem precisa transformar. Uma pessoa arrogante pode precisar passar por um arco de transformação e tornar-se humilde. Já uma pessoa preconceituosa pode precisar aprender a ser respeitosa, e assim por diante. Diferentes arcos de transformação Gosto de personagens que não mudam, que não aprendem com seus erros. – David Fincher Assim como o cineasta David Fincher pontua, não é obrigatório que a personagem mude no fim da história (seja protagonista, antagonista ou o que for). Ou seja, como é bem comum a anti heróis e personagens de sitcoms, por exemplo, a falha de caráter pode permanecer e o que acompanhamos na narrativa tem relação a outra coisa. Uma personagem clássica de um filme que tem a transformação (ou aprendizado) como parte da estrutura (como na Jornada do Herói) pode ver a sua falha sendo testada ao longo do segundo ato do filme, que a leva a passar por uma grande transformação interna. Mais do que conquistar seu desejo primário, a personagem vai reavaliar suas ações e crenças para corrigir erros que poderiam custar relações duradouras (necessidade). Falamos bastante sobre isso em nosso ebook. Já uma personagem de série, por exemplo, pode ter uma teia de falhas que compõe seu caráter; e nós apenas examinamos essas características e seus efeitos. Ela pode mudar certos aspectos, mas seu núcleo nunca mudará. Isso pode ser inclusive o motor narrativo da série, como é o exemplo de "Mad Men" (2007). Tipos e graus de falhas de caráter A sua protagonista não necessariamente terá apenas uma falha, apenas um desejo e apenas uma necessidade. Muitas vezes, inclusive, esse leque de elementos enriquece uma obra ao mesmo tempo em que constrói uma curva dramática oculta que vai se revelando aos poucos. A autora Jill Chamberlain assume essa posição em seu livro “The Nutshell Technique”, onde deixa claro que nem sempre a falha central mais emblemática ou o desejo mais forte são aqueles que guiam, como instrumentos, a trama. É preciso estabelecer um desejo e uma falha para esse propósito, o que não exclui os demais. Assim, podemos dizer que existem três tipos de falhas de caráter: menores, maiores e trágicas. Uma falha menor é algo que tem um impacto mínimo na vida de uma personagem. Uma grande falha as afeta de forma mais significativa. Já uma falha trágica causa a queda fatal dessa personagem – embora nem sempre a morte literal, pois essa queda de status pode ser uma morte moral, morte de um relacionamento, etc. Está diretamente relacionada à estrutura clássica da tragédia aristotélica. Como seria de esperar, pequenas falhas são tipicamente coisas como falta de higiene e esquecimento. As principais falhas tendem a ser mais próximas de algo como hipocrisia e inveja. Uma falha trágica seria algo como psicopatia ativa, auto sabotagem ilimitada ou extrema arrogância. No entanto, observe que o resultado de uma falha depende de como você constrói a relação da personagem com ela! O que funciona como uma falha menor para uma pessoa pode ser uma falha trágica para outra. Por exemplo, em "Adoráveis Mulheres", a vaidade de Amy é um aspecto pequeno e divertido de sua personagem; e algo que ela supera. Já para a personagem mitológica Narciso, por outro lado, a vaidade é trágica. Arquétipos específicos também lidam com falhas de maneira mais acentuada, como vilões, anti heróis e antagonistas no geral. Além de tudo, lembre-se que algumas das histórias mais interessantes resultam da subversão de expectativas que temos sobre como uma determinada falha se desenrolará. Precisa de ideias de falhas de personagens para usar em sua história? Confira os exemplos abaixo! Lista de falhas de caráter para você se inspirar Falhas cosméticas ou menos prejudiciais A maioria desses defeitos de caráter é mais irritante do que prejudicial. Outros até têm o potencial de causar danos, mas precisam evoluir para chegar nesse ponto. Um bom exemplo disso é a 1ª temporada da série "Fargo". Inadequado – socialmente inquieto e desconfortável (não sabe se comportar confortavelmente em situações sociais). Chato – monótono, tedioso, desinteressante (não confundir com uma personagem flat, que ainda não se desenvolveu o suficiente). Exemplo: Mary Bennet em "Orgulho e Preconceito". Infantil – imaturo ou inocente. Exemplo: Peter Pan. Desajeitado – descoordenado e atrapalhado; muitas vezes sujeito a acidentes. Tolo – falta de bom senso pessoal. Fofoqueiro – inclinado a espalhar boatos ou falar sobre os outros pelas costas em demasia. Manipulável – facilmente enganado ou persuadido a acreditar em algo. Sem senso de humor. Preguiçoso – sem vontade de trabalhar ou agir em relação a algo narrativamente importante. Excessivamente submisso. Exemplo: Lester Nygaard na série "Fargo". Orgulhoso – ter uma opinião elevada de si mesmo e raramente admitir estar errado. Exemplo: Sr. Darcy em "Orgulho e Preconceito". Superficial – tendo poucos pensamentos profundos e preocupando-se apenas com coisas insignificantes. Exemplo: Daisy Buchanan em "O Grande Gatsby". Mimado – malcriado e egocêntrico como resultado do excesso de indulgência. Teimoso – obstinado e teimoso; recusando-se a desistir e causando confusões para si. Exemplo: Verônica em "Bom Dia, Verônica". Vaidoso – preocupado demais com a aparência física em detrimento a outras coisas. Exemplo: Amy March em "Adoráveis ​​Mulheres". Falhas maiores ou de jornada Essas devem ser levadas mais a sério: elas podem impactar fortemente a vida de uma personagem, bem como a vida daquelas ao seu redor. Além disso, são características como essas abaixo que devemos buscar quando construindo uma narrativa clássica de transformação, já que são defeitos mais expressivos e que podem ser liquidados durante a narrativa. Do adultério à ganância e à pura ignorância, se você escolher uma dessas falhas para sua personagem, certifique-se de considerar cuidadosamente como isso moldará sua história e se essa jornada terminará com elas superando suas limitações ou não. Adúltero – trai o parceiro ou cônjuge. Apático – pouco interesse ou entusiasmo pela vida. Exemplo: O narrador em "Clube da Luta". Arrogante – exageradamente presunçoso. Exemplo: Draco Malfoy na franquia "Harry Potter". Hostil – agressivo mesmo quando não provocado. Amargo – ressentido e desagradável por causa de uma experiência passada. Covarde – falta de coragem para defender o que ou quem precisa. Desonesto – mentir ou se comportar de maneira enganosa, geralmente para tirar vantagem dos outros. Invejoso – quer possuir o que o outro tem (pode ser um objeto físico ou um traço de caráter). Ganancioso – sempre deseja mais (riqueza, atenção, etc.), mesmo em seu próprio detrimento. Hedonista – entrega-se completamente à busca do prazer. Exemplo: Dorian Gray em "O Retrato de Dorian Gray". Hipócrita – age em oposição às próprias crenças ou proclamações sobre os outros, normalmente porque acredita que estão “acima” deles. Ignorante – possui pouco conhecimento prático ou consciência do mundo. Exemplo: Effie Trinket em "Jogos Vorazes". Incompetente – incapaz de realizar tarefas narrativas básicas. Exemplo: Sr. Poe em "Desventuras em Série". Sem consideração – pouco se importa com os sentimentos dos outros. Exemplo: Sherlock Holmes. Possessivo – superprotetor e controlador. Rígido – é totalmente inflexível em seus princípios, mesmo quando apresentado a motivos para mudar. Egoísta – preocupa-se exclusivamente com as próprias necessidades e desejos. Fora da Lei – por necessidade ou gosto. Exemplo: Omar Little em "The Wire". Rancoroso – amargo e malicioso. Exemplo: Severus Snape na franquia "Harry Potter". Falha graves ou trágicas Estas você verá com mais frequência em antagonistas ou vilões declarados: crueldade, traição, total falta de remorso e assim por diante. Embora seja certamente fascinante pensar em como essas falhas profundas podem ser efetivamente equilibradas com outras características, tome cuidado para não exagerar (a não ser que esse seja seu objetivo, como em "Psicopata Americano"). Abusivo – crueldade ou violência habitual e extrema em algum tipo de relacionamento. Intolerante ou preconceituoso – abrigar preconceitos ferozes e inamovíveis sobre um determinado grupo social. Cruel – intencionalmente causa dor e sofrimento aos outros. Sádico – prazer em infligir dor ou humilhação aos outros. É um passo adiante de alguém cruel, pois emprega um composto psicopatológico mais forte. Desleal – deixa de permanecer fiel à pessoa/entidade a quem jurou lealdade. Fanático – extremamente obcecado ao ponto da ilusão. Exemplo: Annie Wilkes em "Misery". Maquiavélico – astuto, manipulador e sem escrúpulos em seus esquemas. Exemplo: Tom Ripley em "O Talentoso Sr. Ripley". Manipulador – conivente e controlador dos outros para conseguir o que quer. Exemplo: Amy Dunne em "Garota Exemplar". Assassino – que concretiza o desejo de matar. Exemplo: Hannibal Lecter em "O Silêncio dos Inocentes". Negligente – deixa de dar o devido cuidado ou atenção a alguém ou algo. Obsessivo – tão consumido por um único assunto que não consegue funcionar normalmente. Opressivo – brutalmente autoritário em relação a um grupo de pessoas considerado “inferior”. Exemplo: Os Comandantes de Gilead em "The Handmaid's Tale". Paranóico – incomumente desconfiado, desconfiado ou nervoso de que algo ruim possa acontecer com ele. Sem remorso – não sente vergonha, arrependimento ou simpatia quando faz algo errado. Autodestrutivo – age de forma a destruir a própria saúde e/ou felicidade. Traiçoeiro – profundamente desleal e traidor, geralmente para ganho pessoal. Exemplo: Logan Roy em "Succession". Violento – fisicamente prejudicial para os outros. Exemplo: Patrick Bateman em "Psicopata Americano". Conclusão Afinal, o que queremos dizer com "falhas mais interessantes"? O que for mais valioso e intrigante para contar sua história. Um exemplo: você escolheu o tema "família disfuncional" para sua narrativa. Nem todas as personagens vão precisar ter defeitos horríveis e extremos, mas, idealmente, todas terão falhas que se relacionam com o tema em algum nível. O que quer dizer uma "mãe negligente" na sua história? Ou então, uma "mãe possessiva"? Essas duas características têm implicações diferentes. Qual arco essa personagem terá? Ela vai mudar ou não? Qual aspecto do discurso "família disfuncional" ela vai representar? Essas são questões fundamentais de se pensar a fim de construir personagens mais originais e complexas. Quer construir protagonistas e outras personagens que sejam únicas, interessantes e comuniquem bem o seu tema? No nosso ebook, são discutidas as diferentes esferas das personagens (interior, social e pública), bem como articulação de falha & força, arquétipos, diferentes arcos, estruturas e mais. Conheça:

Roteirista do novo lançamento de comédia da Netflix, Paulo Leierer divide informações sobre o processo de construção de um dos episódios da série "O Cangaceiro do Futuro", nova série brasileira de comédia da Netflix, foi lançada no dia 25 de dezembro de 2022 e apresenta um elenco de peso, com nomes como Edmilson Filho, Chandelly Braz, Dudu Azevedo e Fábio Lago, entre outros. A série foi criada por Halder Gomes e teve como chefe de sala Chico Amorim, que também assinam os roteiros junto de Paulo Leierer, Clara Deak e Lucas Rosa. Na trama, Virguley (Edmilson Filho) é um "cabra frouxo" e sem moral, que sonha sair do sufoco que vive em São Paulo e voltar rico para o Nordeste. Seu plano para ganhar uma grana extra envolve usar sua semelhança com Lampoão para fazer shows em praças públicas. Depois de uma das muitas confusões que acontecem na vida de Virguley, ele leva um tapa tão forte que acaba fazendo uma viagem no tempo, aterrizando em 1927 - justamente a época do cangaço. Confundido pela população com o próprio Lampião, Virguley logo começa a tirar proveito da situação... Até esbarrar com o verdadeiro! Paulo Leierer, roteirista da série, divide um pouco do processo de construção do episódio 3, assinado por ele, Chico Amorim e Halder Gomes. Esse post começa lá no Linkedin do roteirista e você o lê aqui na íntegra. Estruturando "O Cangaceiro do Futuro", por Paulo Leierer Oi pessoal, queria aproveitar o espaço aqui pra, além da promoção pessoal, dividir algumas escolhas que nortearam a escrita dos episódios que escrevi do "O Cangaceiro do Futuro". Sinto que há pouco material sobre o assunto, e espero que ajude de alguma forma. Hoje, o foco vai ser o Episódio 3, que escrevi em parceria com o Chico Amorim e o Halder Gomes. Pessoalmente senti que ele teve uma fluidez muito boa. Enquanto a gente estava estruturando a história, ficava muito de olho no que o Aristóteles já chamava lá atrás de "Unidade de Ação", que nada mais é do que usar uma mesma ação, e suas consequências, para motivar a abertura de novas cenas. Parece simples, e talvez seja, mas é fácil cair na armadilha de abrir muitas lateralidades no roteiro e perder o foco. Uma coisa importantíssima ao se pensar na unidade da ação, sobretudo nas comédias, é ter em mente o senso de progressão. Ao longo do episódio, é bom que os desafios precisam ser aumentados e acumulados. Como os gringos dizem, subir os stakes. Toda cena carrega as cenas anteriores. Digo isso pois sinto que é muito comum em comédias vermos episódios que estão, sim, focados em uma ação, mas o senso de progressão é deixado de lado. O resultado quando isso acontece é um episódio que soa mais como um apanhado de esquetes do que uma trama que cresce, criando um esgotamento no espectador enquanto ele assiste. Esse senso de progressão também se dá ao eleger quais serão as tramas do episódio, no nosso caso foram: Trama A: Virguley monta seu bando se passando por Lampião. Trama B: Ao saber que Lampião está montando um novo bando, Amalia e Amelia tentam entrar. Trama C: O coronel quer se informar sobre o novo bando de Lampião, ao saber que suas filhas entraram, jura vingança. Essa é uma estrutura que no livro “Complex TV” o autor chama de falso multiplot, onde as múltiplas tramas do episódio na verdade são ramificações de uma mesma. Ao invés de serem linhas totalmente paralelas, uma deriva da outra, aumentando a sensação de progressão e unidade da história. Dentro dessa lógica da progressão, escolhemos usar uma estrutura bem clássica pra narrar esse episódio, e queria falar em como ela foi aplicada na Trama A, a de Virguley montando o seu bando. Sinto que muitas conversas sobre estrutura giram em torno de aplicar conceitos pré-fabricados à história, algumas vezes desmotivadas, algumas com um pensamento que evade totalmente o personagem. A estrutura pensada sem o personagem, ao meu ver, se torna “um monte de situações”, não uma história. Fatos sem alma e emoção. Então, é importante pensar que a dita estrutura clássica (existem outras) não é um fim em si mesmo, e que não precisamos encaixar qualquer história nela, mas sim, em como ela pode (e nem sempre pode) nos ajudar a contar uma história de um personagem que terá uma trajetória emocional interessante. Dito isso, a primeira coisa pra mim quando começo a pensar na história é fazer a engenharia reversa. Se o episódio terminará com Virguley assumindo o papel de líder do bando, é preciso achar uma forma crível de começar o episódio o mais distante possível desse lugar. Logo, o caminho escolhido foi o de mostrá-lo querendo apenas usufruir das benesses de ser confundido com Lampião e ser servido sem ter que fazer nada. Virguley é mostrado como um malandro, meio oportunista, meio preguiçoso, bastante imaturo. Logo após surge um movimento importantíssimo para o andamento da história: A NECESSIDADE DA AÇÃO. Também sinto que é muito comum vermos o personagem sair da sua “zona de conforto” sem precisar fazê-lo. Só por que o roteirista precisa que a história ande. Isso muitas vezes tem o efeito de diminuir o que está em jogo e de não deixar claro em qual desafio interno ele vai se lançar, uma vez que sem a necessidade de ação não há relutância, e sem relutância não há dualidade suficiente pra conhecermos as forças que habitam o personagem e nem qual aspecto de seu interior será contemplado, corrigido ou transformado no final. Logo, Virguley não quer, mas precisa formar o bando. Primeiro porque já havia prometido que o faria e dezenas de pessoas o aguardam, segundo pela recompensa em cima da cabeça de Lampião, que não pode andar sozinho e desprotegido, e terceiro porque ele quer impressionar Mariá como um líder brabo. Notem que o herói se coloca no rumo certo, mas pelos motivos errados. De novo, se a motivação é nobre desde o início, ele não precisa de correção no final, o que diminuiria o impacto da história ao mesmo tempo que esvaziaria algumas possibilidades cômicas, uma vez que as piadas surgem do fato de Virguley simular algo que não é. Após a decisão de formar o bando, vamos para o segundo ato e temos um "fun and games" que foi divertido de escrever. Virguley entrevistando os cabras mais perigosos e mais "xexelentos" do sertão. A história anda nessa toada até o seu midpoint onde Virguley finalmente forma seu bando. Ele escolhe os cabras frouxos, desajustados. Tem medo de ficar lado a lado dos cabras perigosos, e chama apenas aqueles que não lhe oferecem riscos. Nisso, Mariá interpreta como se Lampião estivesse dando oportunidade aos que não, fazendo Virguley ganhar pontos com ela, mesmo sem querer. De novo, o personagem faz a coisa certa, do modo errado. O midpoint geralmente é o ponto estrutural onde já vemos o que seria necessário ao personagem para fazer sua correção, mas ele ainda não tem consciência disso. Não é à toa que Aristóteles chamava o clímax de reconhecimento, pois é só no final que ele terá ciência do que precisará, de fato, ser feito. Seguimos com o bando formado, mas com a ausência de liderança de Virguley. Os problemas começam a surgir. Ele é cobrado a se posicionar, mas não o faz (falha que é tratada desde a primeira cena do episódio). E, na virada do segundo pro terceiro ato, também conhecido como lowpoint o capanga e o filho do Coronel o rendem, querendo trazer as filhas do Coronel de volta. Eu sinto que de todos, o lowpoint é o ponto estrutural mais difícil de arrumar no roteiro de forma eficiente. Isso porque muitas vezes ele é visto “apenas” como um momento em que o protagonista se vê face uma dificuldade debilitante, ou perde aquilo que havia conquistado anteriormente. Sinto que ambos os casos podem ser caminhos para um lowpoint, mas não ele em si. Volto à ideia de que a estrutura serve ao personagem, e que estamos trabalhando a história sob o ponto de vista emocional e interior dele. Sendo assim, o lowpoint que funciona bem, na minha visão, pode ser um elemento complicador ao personagem sim, contanto que jogue-o de volta na sua falha inicial ou ainda, no melhor dos casos, que a intensifique. Alargando o volume emocional de possibilidades da história, e preparando a expectativa para o clímax que está para vir, para ver qual dos lados emocionais do personagem sobressairá no desfecho. No caso do episódio em questão, quando Virguley é rendido fica tomado pelo medo e rapidamente abre mão do seu bando, entregando as filhas do Coronel para Rufino e Amaro. Aqui há um exemplo de como o low point poderia vir apenas como um evento, sem o lado emocional do personagem. Se a cena fosse apenas o bando sendo rendido e os capangas pegando as filhas de volta sem a ação específica de Virguley entregá-las para os capangas, a correção futura no clímax teria muito menos impacto. É preciso que o personagem se revele o mais falho possível para, depois, poder corrigir essa falha e, quando esse momento vier, que venha com impacto. Sem essa queda o caminho emocional ficaria linear, enfadonho ou previsível. Outro aspecto interessante e talvez até meio didático, mas muito funciona,l é o espelhamento nas duas trocas de ato. Se na troca do primeiro ato para o segundo Virguley decide montar o bando (mesmo que por medo e outros motivos) na troca do segundo para o terceiro ele abre mão do bando por medo. Medo que só é superado quando Amaro revela que é infeliz morando com o pai, o Coronel, e que gostaria de usar a mesma roupa que as irmãs, revelando-se uma pessoa não-binária, ou como o herói diz, “fluído”. Isso faz com que Virguley o defenda dos preconceitos de Rufino e, agora com Rufino isolado, tome coragem de se arriscar por Amaro, já que o próprio Virguley vive um conflito de não poder ser quem ele deseja (primeiro em São Paulo sendo socialmente invisível, depois precisando assumindo a identidade de Lampião pra sobreviver). Então, finalmente, ele enfrenta o capanga! Agora, no clímax, Virguley toma a “atitude certa” pelo “motivo certo”. Houve, nesse episódio, uma pequena correção e uma jornada interna do nosso protagonista. É claro que Virguley não se corrigiu totalmente, do contrário não haveria mais história nos outros episódios, mas pudemos testemunhar uma leve transformação ao final desses 30 minutos, e reside aí, talvez, a magia da dramaturgia. Por fim, outro ponto que vale a pena ressaltar no pensamento narrativo/estrutural do episódio é que fizemos uma espécie de jogo de bonecas russas com as tramas. Se a trama A gerou a B que gerou a C, a resolução caminhou na direção contrária. A resolução da trama C (Amaro resolve ficar no acampamento), resolve a trama B (meninas ficam no bando de Lampião), que por sua vez resolve a trama A (Virguley é reconhecido como líder do bando). Fazendo um jogo de vai e volta entre elas, intencional, dando a sensação de estarmos “amarrando” as tramas por que, afinal, é o que estávamos fazendo. É isso! Se alguém teve paciência de ler até aqui, prometo que volto pra falar de mistura de gênero e comédia quando for comentar o Episódio 6. Acompanhe essa e outras postagens de Paulo Leirere no seu perfil no Linkedin! #OCangaceirodoFuturo #Netflix #comédia #sérienacional

A equipe de roteiro da nova série da Netflix divide conosco como foi o processo de escrita e adaptação No dia 12 de outubro de 2022, a Netflix lançou a nova série brasileira de animação “O Menino Maluquinho”, produzida pela Chatrone e baseada no icônico personagem do Ziraldo. Originalmente publicado como livro em 1980, “O Menino Maluquinho” conquistou o coração da juventude da época, se tornando um clássico da literatura infantil brasileira e ganhando continuação em quadrinhos que foram publicados até meados dos anos 2000, além de adaptação para o cinema e TV. É a primeira vez que “O Menino Maluquinho” ganha uma adaptação em animação, trazendo as aventuras do menino travesso para o público infantil de hoje. Para entender melhor como foi todo esse processo de adaptação e falar um pouco sobre roteiro de animação, conversamos com Carina Schulze, roteirista e sócia-fundadora da Chatrone, além dos roteiristas Arnaldo Branco, Ana Cecília de Paula e Gustavo Suzuki. Confira! Trazendo “O Menino Maluquinho” para os dias atuais Adaptar uma obra tão consagrada como “O Menino Maluquinho” não é tarefa fácil. Carina Schulze já adianta que tudo foi feito com a aprovação do mestre Ziraldo, que garantiu que a equipe havia adaptado muito bem o seu universo para os dias de hoje. “Além da honra e privilégio de poder trabalhar com os personagens do Ziraldo, tem uma coisa muito legal de trabalhar num projeto desses, que é o fato de que a equipe inteira tem uma relação afetiva com a obra”, comenta Gustavo Suzuki, destacando a tensão que envolve uma adaptação como essa. Schulze nos conta um pouco do princípio desse processo de concepção, que começou em meados de 2017 em uma reunião entre a plataforma de streaming Netflix e a produtora Chatrone. “A Netflix já estava procurando projetos para fazer no Brasil e perguntaram quais eram os nossos IPs (propriedades intelectuais) favoritos”, explica Schulze. Nesse papo, surge a ideia de revisitar o universo do Ziraldo, que participou ativamente do projeto desde o princípio. Os roteiristas deixam claro que o livro original foi a principal base do trabalho de adaptação. Arnaldo Branco conta como foi o “estalo” que rendeu a equipe a ideia dos rumos dessa temporada da animação. “O livro termina com o divórcio dos pais. Pensamos: e se a gente pegar a partir deste ponto?”, resume. Assim, a equipe trabalhou com certa liberdade artística, ao propor um caminho para “O Menino Maluquinho”: lidar com o divórcio dos pais e com a realidade de uma nova cidade. Sobre o enredo, Ana Cecília destaca a vontade da equipe de capturar o espírito do livro. “Não é um livro muito de enredo”, explica, “mas uma grande apresentação de personagem”. Mesmo com as novas referências culturais acrescentadas pela sala de roteiro - que vão de festa junina à Carreta Furacão -, o norte sempre foi manter o caráter imaginativo da carismática personagem de Ziraldo. Mesmo sendo moderno, a gente queria que ele fosse lúdico. Manter aquela coisa de ir para a rua, brincar. Combinar bem o mundo atual com o universo imaginativo do Ziraldo. - Arnaldo Branco Para Suzuki, a ideia de trabalhar “a infância, um momento mágico nas nossas vidas” alimentou o objetivo de criar histórias comoventes e impactantes. Sobre isso, Ana Cecília lembra da orientação da Carina Schulze durante todo o processo: “o episódio não pode ser só um disparador de piada. É preciso ter uma linha emocional”. A sala de roteiro Schulze conta com orgulho que a sala de roteiro apenas começou com o “ok” do mestre Ziraldo, que teria afirmado: “vocês acertaram na mosca”. Apesar da sua proximidade com o processo de adaptação, a produtora e roteirista revela que Ziraldo esteve muito mais próximo da equipe de arte. Desde o princípio, a produção passou pelo desafio de trabalhar uma grande adaptação durante a pandemia. Para Schulze, apesar do desafio em si, essa realidade trouxe alguns benefícios para todo o processo. Um deles foi a possibilidade de contar com o trabalho de profissionais espalhados por todo o Brasil, algo que influenciou bastante o conteúdo da série em si. “Uma coisa legal nesse processo foi o esforço coletivo de trazer mais brasilidade para a série”, comenta Gustavo Suzuki. Conseguimos trazer o Brasil para dentro da série. Tem gírias de toda a parte nos episódios. Artistas também trouxeram looks específicos da sua cultura, das suas casas, ruas… É uma das coisas que deixa a série atual. - Carina Schulze Para os anos 1980, falar de divórcio em uma obra infantil já era algo muito interessante, como destacam os roteiristas. Para eles, isso abriu um leque de possibilidades para deixar mais presente esse assunto, contando com novas composições familiares, próprias do nosso tempo. A sala de roteiro também precisou se adaptar a reuniões por Zoom – algo que, segundo eles, não trouxe grandes problemas e trabalhar com a câmera desligada acabou se tornando uma válvula criativa. “Era uma coisa bem divã de terapia, um fluxo de consciência, de ideias”, lembra Ana Cecília. Essa possibilidade de poder construir um universo imaginativo com a câmera desligada se tornou uma importante ferramenta para que os roteiristas se sentissem confortáveis para dividir histórias e situações pessoais que viriam a influenciar episódios. Para reforçar a importância de nos mantermos atentos a essa nova forma de trabalhar, Arnaldo menciona matéria sobre cansaço mental com as telas. “Muita gente falava deitado, confortável. É muito menos cansativo”, completa. Os prazeres e desafios do roteiro de animação Com todas as suas especificidades, o roteiro de animação exige uma nova forma de pensar o conteúdo. Afinal, como Branco aponta, “existe uma liberdade criativa, mas com alguns limites”. Escrever uma cena de “enchente”, como sugere Ana Cecília, em uma animação é muito diferente de quando trabalhamos com live-action, do ponto de vista orçamentário. Mesmo assim, é preciso pensar em uma série de questões relacionadas ao estilo de animação em si e como este pode contribuir para o roteiro. Muito do estilo de animação é desenvolvido junto do roteiro. Se ele vai ser mais ágil, mais parado, ou se vai ficar mais doido, quebrando as regras da física. Tudo isso é decidido junto. O jeito que você vai escrever o roteiro vai influenciar a forma como eles vão pensar a concepção visual. É uma troca muito presente. - Carina Schulze Para Branco, há também a responsabilidade criativa de “pensar recursos que prendem a atenção”, completando: “nisso, como dizem, existem dores e delícias”. Branco também aponta outro fator: a participação contínua da equipe de roteiro em etapas mais avançadas, algo que nem sempre ocorre em live-action. “Às vezes, com o live-action, a gente se sente um pouco abandonado. Já na animação há muito esse retorno da parte da equipe de produção”, resume. “Eu lembro de assistir ao primeiro episódio e me surpreender com várias piadas visuais”, conta Ana Cecília. São situações que, descritas no roteiro, poderiam levar o leitor a determinada interpretação, mas ganham força com as ações, iluminação e decupagem proposta pela equipe responsável pela animação. O processo criativo do Menino Maluquinho foi bastante colaborativo, de um jeito meio inédito, ao menos pra mim. Cada roteiro, personagem e locação eram desenvolvidos em reuniões envolvendo roteiristas, designers, animadores, diretores e produtores. Esse tipo de interação é muito positivo para todos os departamentos: melhora a qualidade do roteiro, do desenho, da decupagem, além de botar todo mundo na mesma página, deixando a série mais coesa. - Gustavo Suzuki O legado de “O Menino Maluquinho” Como foi destacado pelos roteiristas, “O Menino Maluquinho” atravessou gerações - uma obra consumida em diferentes formatos e plataformas. Falamos em responsabilidade na adaptação, mas é preciso também destacar o legado dessa história, que dá protagonismo a um menino e sua infinita imaginação. “Um menino muito emocionalmente maduro, inclusive”, como lembra Carina Schulze. Como conciliar esse legado com inputs de uma nova geração? “Temos que tirar da cabeça a frase ‘no meu tempo era melhor’. Meu tempo é agora, eu estou vivo agora”, comenta Branco, valorizando as mudanças culturais exigidas pela adaptação. O roteirista completa: “o importante é manter a curiosidade, não tratar o novo como se fosse um atentado à sua memória ou geração”. Para Ana Cecília, foi muito importante deixar de lado a pergunta “a criança vai entender?” durante a feitura da série. “Se a criança não entender, tudo bem, o pai e a mãe vão entender e vai ser divertido para todo mundo”, comenta Ana Cecília. Dada a influência de “O Menino Maluquinho”, a equipe promete que a história é capaz de tocar o coração e atiçar a curiosidade de todas as gerações - seja através dos novos elementos culturais de hoje, ou mesmo de clássicos personagens que acompanharam tantas infâncias. Quer saber como ficou a primeira adaptação em animação de “O Menino Maluquinho”? Corre lá! O primeiro bloco desta temporada já está no catálogo da Netflix e o próximo será lançado em janeiro. #Netflix #OMeninoMaluquinho #Roteiro #audiovisual

Reescrever o roteiro é só revisar? Preciso mudar toda minha história? Confira nossas dicas para escrever o seu segundo tratamento de maneira mais eficiente Você já deve ter ouvido a frase "escrever é reescrever". Quando se trata de versões ou tratamento de roteiro, essa é uma verdade que não dá para escapar. Porém, tanto roteiristas iniciantes quanto profissionais podem se sentir extremamente perdidos quando se trata de repensar ou reescrever toda uma obra – seja um roteiro original ou um encomendado. O segundo tratamento é onde você ajusta o geral da sua escrita e faz as alterações necessárias para chegar na potência narrativa mais satisfatória. É aí que você vai poder fazer grandes mudanças no desenvolvimento das personagens ou identificar buracos na trama que não percebeu antes. Por isso, o segundo tratamento do roteiro pode ser o mais difícil de fazer – nenhum artista quer desmontar sua obra depois de ter passado pelo processo meticuloso de construir tudo – mas é um passo necessário que beneficiará sua história, atendendo as necessidades de um player, produtora ou as suas ambições como autor/a. Para ajudar nisso, trazemos 8 dicas essenciais que podem facilitar esse processo de escrever seu segundo tratamento. Acompanhe! Começando bem: o primeiro tratamento Antes de conhecer algumas ferramentas de reescrita, é preciso entender que não existe um jeito "certo" de escrever, nem mesmo um primeiro tratamento "ideal". Isso é ainda mais real quando se trata daquele projeto do coração, que temos total liberdade para construir da forma que quisermos. Porém, um primeiro tratamento precisa ter pelo menos alguns elementos básicos, que depois serão desenvolvidos (ou até retrabalhados totalmente) na reescrita. A primeira versão do projeto existe para você construir o que interessa, o que é mais urgente e entender melhor o que você quer expressar (...ou o que o player pediu para expressar). Portanto, de certa forma, o primeiro tratamento funciona como uma série de perguntas. Essa foi a melhor escolha para o personagem? Esse plot twist funciona? A história funcionaria melhor em outro lugar ou época? Essas duas personagens podem ser combinadas para fazer uma com mais profundidade? Essa estrutura funciona? A reescrita não se trata de mudar algumas linhas de diálogo, ajustar gramática ou talvez adicionar ou subtrair uma cena ou duas. O segundo tratamento tem potencial para ser muito mais: não é sobre apenas afinar o motor. Trata-se de tirar o motor, descobrir como ele está funcionando e, possivelmente, substituí-lo. É sua chance de fazer grandes mudanças para explorar temas abandonados e questionar todas as escolhas. Mas não precisa ter medo do processo! O que muda no segundo tratamento? Novamente, não existe resposta certa. Pode ser tudo, grande parte da história ou somente algumas linhas de personagem. Pode ser a própria jornada da protagonista, tirar ou adicionar voice over, etc. O que interessa a nós é entender para onde o filme ou episódio vai; qual a sua forma mais objetiva. Qual função cada escolha cumpre – algo que antes era instintivo, agora tem um papel mais narrativo. Aquela personagem que reagia de maneira conveniente agora tem uma falha a ser corrigida ou um arquétipo a ser desafiado. Além disso, é a partir do segundo tratamento que os tons começam a ser ajustados. É um filme de terror? Quem sabe, deixa-se uma tensão maior a partir do Ato II. É um romance? Agora é a hora de determinar melhor o tropo inicial das personagens, bem como a voz de cada uma. Algo a se lembrar é: nenhuma mudança é proibida, mas o cerne (e talvez mensagem) da história precisa brilhar ainda mais. Quer ajuda nisso? Confira nossas dicas! 8 dicas para uma boa reescrita de roteiro 1. Dê um tempo antes de recomeçar Especialmente se este for seu primeiro roteiro. Só comece seu segundo tratamento depois de ter tido tempo suficiente longe do primeiro. Criar distância entre você e o trabalho pode dar uma chance à sua mente para se desapegar de ideias específicas. Certos elementos da história podem parecer necessários, mas não se encaixam na história. Ou sua narrativa pode precisar de algo, mas você não tem certeza de como implementar esse algo. Fazer uma pausa pode ajudar a ver sua escrita de um ângulo nunca antes visto, trazendo ideias mais novas. A familiaridade tende a gerar descuidos ao reler, além de dificuldade de sair do mesmo registro de ideias. O tempo vai depender de você (ou da demanda): pode ser uma semana, alguns meses... O tempo que for necessário para ser "outra pessoa" quando voltar a desenvolver, para que sua escrita de fato melhore e não seja só uma versão das mesmas coisas. Para criar essa distância, uma boa ideia pode ser escrever outra coisa entre os tratamentos. Não precisa ser um roteiro totalmente novo, mas desenvolver alguns textos ou discutir projetos de outras pessoas pode ajudar a refrescar a mente. 2. Volte à escaleta (ou argumento) Esse talvez seja o passo mais importante da saga das reescritas: voltar a outros textos de desenvolvimento antes de mexer no roteiro. Mesmo que não exista processo "certo" ou "errado", não tem como negar que revisitar um texto menor é muito mais fácil do que reescrever direto no roteiro. Sendo assim, se faz uma retro-escaleta, ou volta-se à escaleta do primeiro tratamento para desenvolver em cima dela. O objetivo dessa segunda escaleta é enxergar o formato da sua história, o esqueleto. Assim, antes de começar a mudar as cenas, você consegue ver se o ritmo, a estrutura e os arcos gerais dos personagens precisam de algum trabalho. Você percebe se existem lacunas de lógica, ou se uma personagem faz mudanças emocionais muito rapidamente, etc. Enumere cada cena com uma breve descrição, dividindo por atos ou sequências, se preferir. Em geral, se ficar muito difícil escrever a descrição curta de uma cena, essa pode ser uma cena problemática ou que se beneficiaria de uma reescrita. Alguns roteiristas preferem voltar e trabalhar no argumento, o que também é uma opção. Essa ferramenta é boa para quando há necessidade de mudar coisas bem gerais, expressivas ou que dizem respeito ao grande arco da protagonista. Outra opção é usar uma lista de beats, que funciona bem para filmes e séries de gênero mais convencionais. Essa lista vai além do beat sheet e é bem similar à escaleta, mas só inclui cenas com beats que avançam a narrativa de fato. Por exemplo, uma cena onde a personagem apenas observa a janela e não muda seu status na trama pode não ser um beat, então não entraria nessa lista. 3. Do maior ao menor: revise a estrutura Talvez o primeiro ato tenha 45 páginas. Ou então dois grandes beats no Ato II parecem muito próximos. A conclusão pode estar apressada, etc. Essa é a hora de mudar tudo isso! Embora seja divertido ajustar o diálogo e realmente mergulhar nas cenas, não há razão para começar a mudar palavras e frases quando parágrafos inteiros, cenas ou até atos ainda podem ser cortados. O conteúdo e o rumo da história podem seguir uma direção diferente durante o curso da reescrita. Assim, a maneira mais eficiente de abordar o segundo tratamento de uma história é trabalhar do grande para o pequeno, do geral ao detalhe. A estrutura é algo bem expressivo, então entra aqui no início da análise. Seu processo pode ser outro, mas se estiver sem saber por onde começar, tente "isolar" o plot: a premissa e a estrutura usada para transmitir/desenvolver essa premissa. Isso vai se espalhar pelas personagens, seus arcos e relacionamentos. Antes de recomeçar com a estrutura, observe a premissa e a abordagem que você escolheu. Faça perguntas não só narrativas como emocionais: essa estrutura dá conta? Essa sucessão de ações e decisões reflete mesmo a força de sua história? Esse processo permitirá que você isole a trama em si e observe o ritmo, os arcos, a lógica e vários outros elementos. Assim, você enxerga claramente beats e cenas principais – não apenas por si mesmas, mas em relação umas às outras. A estrutura, então, vai pedir para reduzir certas cenas/beats repetidos, ou adicionar mais desenvolvimento emocional, etc. 4. Do maior ao menor: reforce ou repense o tema principal É normal não termos clareza ou certeza do tema principal de nossa história até reescrevermos algumas vezes. Porém, isso pode causar uma falta de foco, afetando o enredo, subtramas, funções de personagens e arcos de transformação. Ao escrever o primeiro tratamento, muitos desses elementos emergem de maneira instintiva ou desorganizada. Por isso, o segundo tratamento é um bom momento para escrever exatamente o que você achou atraente nessa ideia quando a teve pela primeira vez – ou seja, focar na discussão temática ou mesmo mensagem, se houver. Tente recapturar a emoção que você sentiu ao pensar na premissa e transforme esse tema em personagens, tramas, transformações. Ao encontrar o coração temático do seu roteiro, ele deverá guiar seu processo de corte e reescrita. Qualquer coisa que não contribua para o construir a discussão que você quer ou que não sirva diretamente à história deve (ou pelo menos pode) ser cortada. Pensar assim também ajuda a retirar ou ajeitar aqueles "buracos" na trama, que desaparecem enquanto aparamos o excesso. 5. Analise a jornada da protagonista A personagem determina a trama. Personagem e história estão tão intimamente ligados que, quando um deles muda, os dois elementos mudam juntos. Perguntas como “a protagonista pode só ir embora e tudo se resolve?” ou "essa outra personagem não pode ser incorporada na protagonista na forma de uma contradição interior?" devem ser feitas e respondidas já no início. A pergunta “o que está em jogo para a personagem?” também surgirá ao longo da reescrita, devendo ser respondida na premissa ou no Ato II. Outras perguntas mais complexas envolvem o caráter da protagonista: sua falha principal é realmente testada? Tem a ver com o tema? Como reflete esse tema, escolhe 'um lado' ou não? A protagonista escolhe a força e passa por uma transformação relevante? Ou prefere insistir na falha e continua a mesma pessoa? Sabendo que são questões difíceis de construir, nós temos um ebook focado justamente na construção de personagens mais complexas, que cabem em todo o tipo de narrativa. Outra coisa importante a se considerar na escrita do segundo tratamento é: às vezes, alguns eventos ou decisões que estão no roteiro não fazem sentido. Muitas vezes, isso pode ser parte do discurso do filme e tudo bem. Porém, se um leitor desse roteiro não consegue acreditar que uma das personagens faria algo que fazem, talvez esse seja um problema a se resolver numa segunda versão. A experiência emocional do enredo está funcionando? Sinto alguma coisa quando leio? Eu sinto as coisas certas? Um leitor de roteiro, bem como quem assistirá o filme ou série, quer sentir alguma coisa. Quais são os pontos de ressonância emocional no meu roteiro? Essa reflexão tem relação direta com a próxima dica. 6. Aposte no feedback especializado Sempre trazemos a importância do feedback em nossos textos. Um núcleo criativo, colega de profissão ou amigo produtor podem ser essenciais na hora de encontrar as potências e fragilidades dos seus projetos. Não é todo mundo que gosta de compartilhar seu primeiro tratamento. Tudo bem! Você pode fazer sua própria consultoria nesse primeiro momento. Porém, se escolher compartilhar, é importante ser seletivo/a. Não envie para um agente ou produtor em perspectiva ainda (salvo em casos específicos onde isso for diretamente requisitado). O motivo é: você com certeza vai melhorar sua história no segundo tratamento. Escolha roteiristas que você confia, que têm a ver com seu projeto ou que pelo menos podem ajudar a melhorar a narrativa de alguma forma. Consultorias especializadas também fazem parte dos serviços que oferecemos. É muito importante ouvir o feedback que as pessoas dão em geral, mas a parte “em geral” é fundamental. Pense no motivo pelo qual você está recebendo as notas ou retorno que está recebendo. Não olhe apenas para a nota, olhe para o que está por trás: é um sentimento vago ou a pessoa sabe do que está falando? Ela aponta para cenas específicas ou para a mensagem geral? Escolha seletivamente com o que você concorda e discorda. Reflita: "Isso serve para reforçar ou desenvolver o tema? Essa protagonista é realmente mais interessante?" e assim por diante. 7. Faça uma lista de mudanças ou objetivos Assim que você aceitar que seu primeiro tratamento não será perfeito, parta para objetivamente mudar algumas escolhas. Isso fica muito mais fácil com uma lista ou tabela de mudanças que você quer fazer. Grandes problemas narrativos são aqueles que uma simples mudança de cena ou diálogo não resolve. Pode ser estrutural, de personagem, um buraco na trama, uma sequência inteira que precisa ser reescrita, etc. Esses são os problemas que impedem que seu roteiro fique bom aos seus olhos e exigirão algum esforço para corrigir. Ou seja, são prioridades. Faça uma lista ou tabela dividida por atos e escreva os grandes problemas. Aí, você pode enumerar os detalhes que quer mudar, tipo diminuir a exposição de informações, um diálogo importante que pode ser melhorado, etc. Essa lista também pode conter objetivos narrativos maiores, por exemplo "Deixar o tema mais sutil" ou "Inserir mais elementos metafóricos", etc. 8. Não tenha medo de cortar ou fundir elementos Na lista de objetivos ou feedback do player, é possível que existam adições a serem feitas no segundo tratamento. Mais uma personagem, mais cenas, etc. Porém, pode ser um bom começo cortar os elementos que não caibam mais no desenvolvimento da protagonista, do tema ou da premissa. É relativo ao que falamos na dica número 2! Podem ser cortadas desde diálogos até cenas inteiras – sem medo, pois estão salvas lá no arquivo do seu primeiro tratamento. Pergunte-se honestamente a cada momento se algum elemento individual é absolutamente necessário. É possível que você veja o quão dispensável são algumas personagens, que podem ser fundidas ou cortadas, ou mesmo cenas inteiras periféricas ao discurso narrativo. Afinal, existe jeito "certo" ou uma fórmula para reescrita? A resposta é: não! Se você desenvolver um método individual de reescrita, vá em frente. Se tiver menos tempo para repensar tantas questões, reescreva apenas o básico ou o que foi pedido (no caso de uma encomenda). A ideia do segundo tratamento e dos posteriores é reforçar e encontrar a potência narrativa da sua história. O que você quer ver na tela? Que diálogos gostaria de ouvir? Qual a protagonista mais intrigante para você? Não tenha medo de mudar radicalmente e depois voltar a algumas decisões que você tinha pensado inicialmente. Lembre-se que, se precisar de ajuda, pode nos chamar para uma consultoria. Boa reescrita!

Para além de "cabelos longos", existem diversas maneiras de descrever personagens no roteiro e captar a atenção de leitores. Confira nossas dicas! Se você fosse uma personagem, como se descreveria? Características físicas até podem ser relevantes para a narrativa, mas a personagem em si vai muito além delas. Muitas pessoas se apresentam dizendo "o que são": seus valores, profissão, objetivos na vida, etc. Mas não é sempre que nós ou as personagens têm essa clareza sobre si. Por isso, podemos pensar mais fora da caixa na hora de apresentar protagonistas, antagonistas, arquétipos e outras personagens no roteiro. Além de rabos de cavalo, barbas, um par de olhos castanhos brilhantes ou uma cicatriz no rosto, outras coisas podem descrever uma personagem sem que ela fale uma palavra. Já fizemos um texto sobre esse assunto, mas, para ajudar a refletir ainda mais sobre isso, traduzimos e adaptamos dois textos do site Screencraft (um de David Young e outro de Ken Miyamoto). Aproveitando o tema, conheça nosso novo ebook "A Personagem além das fórmulas", que conta com 112 páginas repletas de processos, dicas, reflexões, exercícios e recursos para conceber personagens narrativas interessantes! Apresentando personagens através de ações As primeiras cenas de sua protagonista, antagonista ou personagem relevante devem causar um impacto em quem lê. Não precisa ser nada extremo ou grandioso — basta ser potente e específico. E um dos elementos mais potentes na narrativa é a ação. Tomando o exemplo do filme "Sangue Negro" (There Will be Blood, 2007), de Paul Thomas Anderson, Ken Miyamoto faz uma análise de como o caráter, objetivo, falha e até mesmo seu destino narrativo. O filme conta a história de Daniel Plainview (Daniel Day Lewis), um garimpeiro da virada do século nos primeiros dias do negócio de petróleo. É quando ele falha, obtém sucesso e depois colhe os benefícios disso – não deixando ninguém ficar em seu caminho. O roteiro nunca oferece nenhum tipo de descrição de personagem para Daniel. DANIEL PLAINVIEW (atualmente com 30 anos) está, com picareta e machado, no meio do dia, em um calor de 43ºC no Novo México, procurando por PRATA. Não há nenhum sinal de descrição do personagem. Nem mesmo uma descrição de figurino. Por quê? É desnecessário. Sabemos que se passa em 1898 porque o roteiro nos disse isso. Então, assumimos que a maioria das pessoas teria uma ideia de como seria um garimpeiro naquela época. E assumimos que o departamento de figurino descobrirá os detalhes. Qualquer coisa além disso, para Miyamoto, seria um "desperdício de espaço em branco" na página. É claro que alguns detalhes podem ser importantes, caso a personagem venha a interagir com um chapéu (como o icônico chapéu de Jack Sparrow em "Piratas do Caribe"), uma blusa (como Fleabag no piloto de "Fleabag") ou algo assim. Mas, geralmente, uma descrição muito longa do figurino acaba confundindo a leitura ou perdendo foco narrativo. O roteiro de "Sangue Negro" também ignora a tentação de trazer backstory ao personagem. Por quê? Porque serão suas ações que definirão que tipo de personagem ele é. Na verdade, nos primeiros 15 minutos do filme, Daniel mal fala além de murmúrios para si mesmo. Mas ao final desses 15 minutos, sabemos exatamente quem ele é. Ação Definidora de personagem nº 1: Prospecção obsessiva Vemos uma imagem de Daniel em um poço de mina de prata, batendo com uma picareta de metal nas paredes de rocha dura com uma força quase obsessiva. Ele atinge a parede de pedra repetidamente enquanto as faíscas voam de cada ponto de impacto. Vemos que Daniel é impulsionado por um único objetivo obsessivo em muitos momentos diferentes neste local – encontrar prata. Ele nunca mostra fraqueza, apesar de todo o trabalho duro. Ele está lá para encontrar prata. Isso é tudo que importa. Depois de explodir parte da parede de pedra com dinamite, ele cai profundamente no poço por acidente, quebrando a perna no processo. Ele se afunda em auto-piedade? Desiste para ter certeza de que pode escapar e encontrar atendimento médico? Não. Daniel rasteja até o ponto de explosão para examinar as rochas que foram expostas. Quando ele vê pedaços de prata, ele murmura obsessivamente para si mesmo enquanto examina sua fortuna encontrada: Lá está ela. Lá está ela. Lá está ela. Essas ações mostram o que Daniel mais busca – sua fortuna. Esse é um grande traço de caráter que roteiros menores teriam se voltado para a descrição do personagem ou diálogo para se comunicar. Ação Definidora de Personagem nº 2: Impulso Incansável Sem perder o ritmo depois de ter encontrado sua fortuna, ele coloca pedaços de prata em sua camisa e começa a se puxar para cima do eixo com a perna fraturada pendurada no ar. Ele está com muita dor, mas ele é levado a alcançar sua fortuna. Encontrar as pedras prateadas não é suficiente. Ele precisa entregá-las em outro local (Silver Assay/Lease Office) para alcançar a riqueza que deseja. Daniel não apenas sai do poço com uma perna gravemente fraturada, mas também consegue se arrastar por mais de um quilômetro e meio pelo chão do deserto até uma cidade mineira local. Sabemos que Daniel chegará a qualquer extremo para ver o que quer que ele faça. Esse é outro traço de caráter comunicado apenas pela ação. Ação Definidora de Personagem nº 3: Carregando uma espingarda Ao longo dos primeiros 15 minutos, Daniel tem uma espingarda pendurada no ombro ou ao seu lado. Mesmo quando ele está sozinho no meio do deserto, a espingarda está perto dele. Isso nos diz que ele não confia em ninguém e não vai deixar ninguém ficar entre ele e sua fortuna. Daniel carregando uma espingarda também nos mostra que ele é inteligente. Ele sabe que, se outros garimpeiros virem sua descoberta, ele pode ter que se defender. Quando ele se deita no chão do Silver Assay/Lease Office, observando-os moer sua prata e preencher seu formulário de registro, sua espingarda está ao seu lado. Ele sabe que é um homem ferido e está pronto para ser atacado. Mas porque Daniel é tão obsessivo e motivado, está pronto para usar força letal para defender seus direitos. Ação Definidora de Personagem nº 4: Sempre em busca da próxima perspectiva É revelado que Daniel recebe $342,00 pela prata. Isso vale quase US $10.000 em dinheiro hoje. O roteiro também denota que ele pretende vender o local de prospecção, o que renderia ainda mais dinheiro. Em 1898, Daniel poderia facilmente viver com essa fortuna. Ele então compra uma casa ou fazenda para viver a boa vida por um tempo? Não. Ele investe o dinheiro em coisas maiores e melhores – um poço de petróleo e uma equipe. Ele não precisa mais prospectar por conta própria: agora pode pagar uma equipe de homens para ajudá-lo. E Daniel se torna cada vez mais inovador à medida que esboça planos para uma torre de perfuração mais eficiente. Isso nos mostra que ele nunca deixará de buscar cada vez mais fortunas. Primeiro, era ouro e prata. Agora, é petróleo. E sabemos que quando ele conseguir petróleo, ele só vai querer mais e mais. Ação Definidora de Caráter nº 5: Lealdade Como a equipe de Daniel pode ajudá-lo a obter mais fortuna, ele é leal a eles. Há uma camaradagem que demonstra com aqueles homens. Ele compartilha sua obsessão com eles. Agora, Daniel não carrega mais uma espingarda com ele e aparenta estar mais confortável. Quando um dos homens morre durante um acidente, Daniel acaba ficando responsável pelo filho bebê do homem. Agora, Daniel se importa com o bebê. Ele cuida dele e o cria como se fosse seu próprio filho. Algo interessante sobre esse fato é que Daniel o está usando para construir seu legado de fortuna: ele agora tem um herdeiro. Quando estiver mais velho, poderá continuar buscando sua fortuna passando os deveres físicos para a próxima geração. No entanto, vemos mais tarde que seu filho se volta contra ele em sua vida adulta e se torna um competidor. A reação de Daniel a isso é sua vontade obsessiva de derrotar todos e quaisquer concorrentes – até mesmo seu filho. Ele sente que o herdeiro traiu sua lealdade e essa acaba sendo a derrocada de Daniel. 7 dicas para apresentações de personagem mais intrigantes 1. Postura e comportamento Embora nem tudo sobre uma aparência física precise ser dito, existem alguns traços visíveis que carregam algum significado dependendo da personagem que você está descrevendo. Ao apresentar uma nova pessoa à sua história pela primeira vez, pense em como ela se comporta. Nem toda personagem exigirá esse pensamento, é claro, mas as principais geralmente sim. Ela é uma pessoa orgulhosa de si? Uma pessoa perigosa? Uma pessoa subserviente? Como se movem em seu mundo, confortáveis ou não? Sua postura geral é uma maneira interessante de construir isso. Alguém com "má postura" será visto como sobrecarregado ou possivelmente um tipo de pessoa mais intrigante. Essa é uma das várias dicas que mencionamos no ebook "A Personagem além das fórmulas". 2. Higiene (Pessoal ou Não) Sobre o assunto de apresentações de personagens, há outro caminho não tradicional quando se trata de nomear traços físicos: você pode falar sobre a limpeza ou sujidade de sua aparência. Essa pessoa está extremamente desleixada ou parece imaculada? Seu cabelo é oleoso, como o de um cantor grunge? Sua personagem pode até não ser uma pessoa suja, mas quem sabe sua casa é extremamente bagunçada e isso traz um contraste curioso com sua aparente personalidade. 3. Profundidade das reações emocionais/físicas Você não precisa fazer isso em todas as cenas, mas, de vez em quando, é significativo informar o leitor sobre a intensidade de uma reação emocional ou física que seu personagem pode ter a certos estímulos. O carinho deixa sua protagonista fisicamente desconfortável? Existe algum tipo de pequeno inconveniente que deixa seu antagonista muito mais irritado do que pessoas "normais" ficariam? Mesmo a falta de profundidade pode ser reveladora, como um anti-herói que parece não reagir à descoberta de uma terrível traição. Lembre-se que as pessoas são imprevisíveis até certo ponto. Portanto, se tiver um motivo narrativo para essa reação incomum, você tem todo o direito de surpreender seu público com ações/reações desproporcionais de seus personagens. 4. Atividades habituais e hobbies Conforme falamos também em nosso ebook, hábitos são inerentes a qualquer ser humano - e personagem. Algumas pessoas podem ser mentirosas habituais, mas se você está buscando versões não verbais desse método de caracterização, pode optar por outros hábitos reconhecíveis: vícios em substâncias; atitudes de manipulação do outro ou até mesmo hábitos moralmente neutros, como estalar os dedos, mascar chiclete, encontrar seus amigos em um café específico ou recorrências involuntárias como episódios de narcolepsia. Hábitos e outros comportamentos recorrentes dizem muito sobre as pessoas e ajudam a destacá-las. Afinal, é isso que estamos tentando fazer! 5. Definir o foco de sua atenção Toda personagem tem um desejo ou uma necessidade. As mais importantes para a narrativa tornam esses objetivos e necessidades conhecidas ao longo da história, mas todas deveriam ter algo que desejam e precisam. É por isso que elas sempre têm sua atenção voltada para algo específico. Aquela personagem secundária que você escreveu que é um paquerador detestável? Provavelmente, vai estar regularmente olhando para outras personagens, procurando o próximo caso ou o próximo ataque de auto-validação. A heroína da sua história, que está tentando tirar seus pais da prisão, vai se concentrar no grande objetivo "provar a inocência de seus pais". Isso significa que ela estará prestando atenção quando as pessoas mencionarem seus pais, mesmo quando pistas incriminatórias começarem a aparecer. Seja qual for o exemplo, a questão está na motivação. Isso é válido para qualquer cena, não só de apresentação! 6. As companhias determinantes Existe um ditado que praticamente diz: "Uma pessoa é julgada pela companhia que mantém". No cinema ou TV, isso é muito real. As pessoas ao seu redor sempre podem ser usadas para decifrar a sua própria personalidade até certo ponto, seja você parecido com elas ou o completo oposto. Essa é a ideia por trás de conhecer as personagens que cercam sua protagonista ou antagonista também. Uma personagem cercada por amigos abusivos pode ser o clássico arquétipo de valentão também – ou então alguém emocionalmente atrofiado como resultado de todo esse abuso. O que você precisa tirar disso é uma conclusão: com base em quem sua personagem tem sempre por perto, elas terão o traço X ou o traço Y. Pense em narrativas como "Seinfeld", "Sintonia" ou "Euphoria". Isso também pode ser uma dedução por parte do leitor que no futuro será provada errada, como em "O Clube dos Cinco" (The Breakfast Club, 1985) por exemplo. O bom é que existem muitas respostas "certas" para esse tipo de exercício social. 7. Fatos e características únicas Há coisas sobre uma personagem que se destacam por sua natureza incomum. Quem sabe, dê a elas uma qualidade descritiva metafórica, que faça alusão a uma ideia estranha ou diferente do esperado. Pensando em um exemplo qualquer, uma personagem que é veterinária e cujo rosto é descrito como "parecido com um buldogue humano" ganha uma descrição muito específica e irônica. O mesmo pode ser dito para o vilão em sua história que é identificado apenas pelo penteado icônico e inesquecível, como Zorg (Gary Oldman) em "O Quinto Elemento" (1995). Viu quantas possibilidades diferentes de repensar suas apresentações de personagens? Aproveite para saber mais sobre isso participando de nosso Grupo Fechado para apoiadores do Catarse, onde divulgamos conteúdo extra, promovemos encontros e muito mais.

O que é e de onde veio? Ganho alguma coisa escrevendo? Descubra tudo isso e mais 5 dicas importantes para escrever um bom spec Você já deve ter lido em algum lugar sobre roteiristas que "escreveram um spec", seja qual for o contexto. Esse é um material muito comum no mercado hollywoodiano que acabou vindo para cá com significados diferentes. Mas o que realmente significa escrever um spec? É um material interessante para ser escrito? Vale a pena investir tempo nisso? Como sempre, não viemos aqui afirmar que existe uma única resposta certa. Porém, em nossa experiência, um spec é o tipo de material de estudo que pode levar sua escrita e entendimento narrativo para outro nível. Quer entender melhor? Acompanhe nossa matéria! O que é um spec? O termo roteiro "spec" é um termo em inglês que significa "speculative screenplay", ou roteiro especulativo. Possui alguns significados diferentes dependendo do contexto. No geral, é um roteiro escrito "fora do sistema de estúdio" e que o roteirista decide fazer por conta própria. É diferente de um roteiro de filmagem ou de um roteiro de produção, pois há mais foco na história em si, enquanto descrições de movimentos da câmera e outros aspectos de direção não são indicados. No mercado hollywoodiano, o propósito de um spec é mostrar o talento narrativo de um roteirista. Por isso, quando se fala em spec de longa-metragem, pode ser entendido simplesmente como um roteiro original. Já na televisão, o spec tem um significado diferente. É um episódio de "amostra" sobre alguma série de TV atual que prova que você pode escrever na voz da série e adaptar as personagens a diferentes narrativas. Nos EUA, houve uma época em que specs de TV eram muito procurados por emissoras, que inclusive compravam os roteiros e produziam como parte da série. Hoje em dia, isso não é mais tão comum. Ainda assim, no Brasil é mais comum falar spec para esse último tipo – que é uma espécie de "fanfic" da série, mas com propósitos de exercício narrativo. Para efeitos desta matéria, é sobre esse tipo de spec que iremos falar, e não sobre roteiros de longa-metragem originais. Preciso escrever um spec para entrar no mercado de roteiro? No contexto atual do mercado audiovisual, a resposta é não. Mas isso não quer dizer que não seja um bom material de escrita ou mesmo um bom sample. Ao escrever um spec, roteiristas exercitam milhares de músculos narrativos, mesmo sem o objetivo de vender o roteiro em si. Ou seja, o spec aqui no Brasil acaba tendo vários motivos e objetivos diferentes. Um deles é o que mencionamos antes, de ter um bom sample. Mas o que é isso? Spec vs sample Sample nada mais é do que o termo utilizado para "amostra" de roteiro. É muito comum que se peçam samples de escrita em candidaturas para vagas de trabalho em roteiro ou concursos internacionais. Esse exemplo de escrita serve para demonstrar seu conhecimento narrativo e de formatação, assim como sua habilidade dentro das convenções audiovisuais. Um spec pode servir como um sample, ainda que produtoras e streamings atuais prefiram ler samples originais. Mitos e motivos da escrita do spec Ok, o spec pode ser usado como uma amostra de roteiro. O que mais? Talvez o motivo mais relevante para escrever um spec é o exercício de escrever uma narrativa "plástica" em uma voz que já existe. Quando você mergulha nas regras, ritmos e personagens de uma série já consolidada, sua escrita se demonstra adaptável e ideal para, por exemplo, compor uma sala de roteiro. O spec propicia isso. O desafio de fazer a "sua versão" de um episódio de uma série obriga a compreensão de novas estruturas, ritmos de cena, cortes e diálogos. Aí, é muito importante não só assistir a série como também ler seus roteiros, quando possível. Assim, os detalhes e as cadências narrativas ficam mais aparentes e você vai se sentir mais próximo da escrita original. Um mito ao redor do spec é: se sou roteirista iniciante, esse é o único material que "importa" desenvolver. Essa ideia é mais comum em Hollywood, mas não podemos pensar assim. Pelo contrário: um material original - projeto, sinopse, tratamento - vale mais do que mil specs. Então, será que escrever o seu é uma perda de tempo? Claro que não! Esse é outro mito. Além de tudo o que já mencionamos, o spec de um episódio de série pode ser útil para treinar a escrita em outro idioma (escolhendo uma série norte-americana, por exemplo), inserir novas personagens em uma série já consolidada, ter um material especificamente elaborado no formato de um episódio para receber feedback de parceiros e outros motivos válidos. O ideal é desenvolver seus materiais originais primeiro, separando um sample também original, para depois pensar em escrever um spec. Quer dicas para ajudar nisso? Confira! 5 dicas importantes para escrever um bom spec 1. Escolha uma série que você gosta muito A forma mais interessante e gratificante de escrever um spec é escolher uma série que você gosta. A familiaridade com o estilo, tom e personagens deve transparecer nas páginas. Geralmente, a ideia é escolher uma série atual ou recente. É importante que você escolha um momento na série em que as personagens estejam minimamente estabelecidas, com suas vozes, conflitos e personalidades mais sedimentadas. Porém, se for seu objetivo for reescrever o piloto da série, vá em frente! O objetivo do spec é se manter fiel ao tom, ritmo geral e à trajetória das personagens, mostrando que você sabe como estruturar um roteiro. Se a escrita for para estudo próprio e desenvolvimento de sua escrita, escolha algo que vá ser divertido! Tristezas já temos de sobra nessa carreira. 2. Escolha uma trama estratégica - e memorável Um spec é útil não só para mostrar que você sabe construir narrativas "em outras vozes" ou exercitar algo no tom que você gostaria muito de escrever um dia. Ele serve também para escolher ativamente quais atributos da sua escrita você quer destacar para quem vai ler. Por isso, é importante que você identifique algo que se encaixe na série, mas que seja estrategicamente mais aproximado do tipo de escrita que você mais sabe fazer. Por exemplo, nossa co-fundadora Jessica Gonzatto escolheu escrever um spec de "Succession" (2018, HBO). Essa é uma série extremamente complexa em termos de tom, personagens, temáticas e ritmo. Não sabendo tanta coisa assim sobre manobras de negócios, aquisições empresariais ou a vida de bilionários, ela trouxe um foco maior nas relações entre as personagens e também no humor ácido. Se utilizando de um espaço memorável, que seja impactante na narrativa, ela explora a vulnerabilidade, a parceria e a rivalidade entre personagens, além de situações onde a ironia brilha forte. Esses elementos já fazem parte do universo de Succession, mas tiveram um destaque maior por serem mais próximos do que ela domina em sua escrita. Sendo assim, escolha uma dinâmica memorável para quem ler, que seja diferente do "esperado" da série e também que foque nas suas habilidades como roteirista: diálogos rápidos, atmosfera de tensão ou então domínio de algum gênero predominante. 3. Escolha um momento mais avançado na trama da série Como mencionado, você tem total liberdade quanto a escolha do momento narrativo para abordar no spec. Porém, tudo fica mais fácil com personagens já bem estabelecidas, tendo suas personalidade e conflitos já reconhecíveis pelo público leitor. Isso vai economizar muitas cenas e diálogos de introdução e dar mais liberdade para experimentar dentro dos "limites" da série. Com essas bases narrativas, você pode propor um episódio bem diferente dos demais, abordando outros temas, gêneros ou mesmo linguagens. Um bom exemplo de spec é o episódio "Connection Lost” (S6E16) da série "Família Moderna" (Modern Family, 2009-2020). Diferentemente da linguagem de mockumentary do resto da série, esse episódio foi feito todo em screen life e testa os limites do formato. 4. Exercite bem a voz das personagens Parece algo simples, mas não é. Mesmo se você assistir a série dez vezes e ler todos os roteiros, diálogos ainda podem ser desafios. Por isso, é bom lembrar que o spec precisa ser encarado como um exercício, totalmente sem pressão de ser "perfeito". Exercitar a voz das personagens quer dizer criar com consciência de que elas precisam ser diferentes. Cada pessoa tem um objetivo diferente quando fala, um modo de dizer as coisas, gírias, ênfases, subtexto, etc. Escreva e reescreva até achar o equilíbrio entre entrega de informação, poesia narrativa, especificidade e intenção (coisa pouca…). Isso nos leva à dica final. 5. Reescreva (algumas vezes) Como todo material escrito, o spec precisa ser retrabalhado pelo menos uma vez. Não é comum acertarmos o tom de todas as personagens de primeira, nem o ritmo ou mesmo a escolha das tramas. Ao reescrever, "levante" ou "abaixe" o tom de algumas escolhas diegéticas, traga mais vida aos diálogos e não tenha medo de apagar uma cena inteira por já não achar mais que representa tão bem aquela personagem. É também um processo que pode ocorrer depois de feedbacks, como um segundo exercício. Se o seu spec não tiver um objetivo profissional (por exemplo, algum outro profissional pediu para ler e avaliar), não precisa gastar muito tempo nisso. A ideia é você se sentir desafiado(a) e aprender muito sobre os mecanismos das suas tramas favoritas. Lembre-se: um spec, hoje em dia, vale muito mais para o desenvolvimento pessoal como roteirista do que para vender seu trabalho. Se precisar escolher, priorize escrever um piloto ou longa-metragem original, para só depois trabalhar em um spec. O spec ajuda muito também a revelar e desmistificar várias crenças que temos a nosso próprio respeito. Você acha que "nunca vai conseguir" escrever tão bem quanto roteiristas de sua série favorita? Acredita que não tem nada a ver com comédia, ou então com thriller policial? Experimente escrever um spec e veja como tudo isso muda no final do processo. Afinal, essa estratégia narrativa ajuda a trazer o que mais admiramos para mais perto de nós, tendo também um papel importante na autoconfiança como roteiristas. Boa escrita!

O roteirista do Porta dos Fundos conta como foi adaptar a esquete brasileira para a realidade mexicana em série original De esquete de 2 minutos à série original com 8 episódios: você conhece a trajetória de sucesso de “Harina”? Criada e escrita por Pedro Esteves e Carlos Reichel, em “Harina”, primeira produção internacional do Porta dos Fundos (conhecida como Backdoor), acompanhamos a dupla formada pelo detetive Harina e a policial Ramírez, em uma intensa investigação atrás do seria killer conhecido como “El Cancelador”, um maníaco que assassina influencers. A série, que está disponível na plataforma da Amazon Prime Video e terá sua estreia no Comedy Central Brasil no dia 19/06 (domingo), começou como uma pequena e hilária esquete para o canal Porta dos Fundos intitulada “Farinha”, logo se transformando em um grande fenômeno. Encabeçando todos esse processo de criação e adaptação estão Carlos Reichel, roteirista-chefe da equipe de roteiro de Bugados no Gloob que foi chamado pela equipe do Porta para trabalhar exclusivamente nessa série; e o roteirista e ator Pedro Esteves, que divide com a gente um pouco dessa história e os desafios de adaptar um sucesso do Porta dos Fundos para o formato televisivo sem perder sua essência. Quem é Pedro Esteves? Aos 17 anos de idade, Pedro Esteves mudou-se para o Canadá, onde passou a buscar oportunidades como ator. Esteves conta que, ainda no Canadá, dedicou-se a aperfeiçoar seu ofício, trabalhando como figurante em diversos filmes, além de investir em cursos de atuação. “Apesar de sempre tirar muito prazer da criação, de inventar coisas, cheguei no Canadá querendo ser ator”, resume. Seu retorno ao Brasil não veio a partir do audiovisual - Pedro trabalhava em uma agência de intercâmbio enquanto produzia vídeos cômicos para a internet paralelamente. “Era o auge do Porta dos Fundos, que estava no seu quarto ano de existência. Eu sempre gostei desse formato de ‘esquete’”, revela Esteves, que afirma se inspirar em programas como “Chappelle’s Show” e “Key and Peele”. “Era criar, gravar e ficar mais atrás das câmeras. Eu comecei a tirar esse gosto maior pela criação e fui me aproximando de pessoas com essa intenção.” - Pedro Esteves Sua entrada no Porta dos Fundos foi através de indicação do roteirista Gabriel Esteves (que não é seu parente, apesar do nome), parte da equipe original de criativos da produtora. Segundo Pedro, depois de muito insistir para que Gabriel lesse algumas das suas esquetes, enfim surge a oportunidade de produzir conteúdos para o Porta. De lá para cá, Pedro está há mais de 5 anos no Porta dos Fundos e hoje, além de escrever esquetes, faz supervisão criativa para a divisão do México. “Eu entrei no Porta com 30 anos de idade. Fui me encontrando ao longo da vida, dos anos. Eu vejo muita gente perdida, gente que trabalha com arte… Eu noto que hoje em dia as pessoas têm mais pressa em saber o que querem da vida, querem tudo já pronto. Essas coisas demoram mesmo. Às vezes você se encontra muito cedo, às vezes não, mas você vai se moldando e descobrindo novas coisas.” - Pedro Esteves O vídeo “Farinha” e o sucesso internacional Esteves deixa bem claro que cada roteirista do Porta dos Fundos tem seu próprio estilo, algo que acaba influenciando bastante o seu processo criativo. Por ter migrado para o Canadá muito cedo, Esteves conta que acabou encontrando sua voz principalmente através de referências cinematográficas e suas possibilidades. Para a esquete “Farinha”, a inspiração parte de um clichê do cinema internacional - a clássica cena do policial experiente que identifica a cocaína passando a droga na gengiva, sem qualquer constrangimento. “Ninguém mostra esse investigador 10 minutos depois que ele usou cocaína. Foi aí que eu pensei nessa cena”, completa. A esquete, que parte de uma premissa simples e divertida, como o próprio roteirista afirma, dialoga muito bem com a estrutura dos vídeos do Porta dos Fundos, onde a situação escala em direção ao absurdo. Pedro Esteves conta que houve muita improvisação dos atores durante a cena, adicionando elementos cômicos e físicos. Segundo Esteves, Rodrigo Magal, que assina a direção do vídeo, também trouxe um toque especial para a criação da esquete, como a ideia de quebra da quarta parede - um elemento muito utilizado em séries clássicas como “The Office” e “Veep”. Quando o vídeo se torna uma série, esse artifício da quarta parede é incorporado à narrativa. “A série acontece em volta de um vídeo real gravado durante uma perícia”, conta Esteves. O processo de adaptação Há mais de 3 anos, o Porta dos Fundos adapta seus vídeos para diferentes mercados - entre eles, o México. Foi o caso da esquete “Farinha” (ou, em espanhol, “Harina”), que logo se tornou um sucesso. “Quando o vídeo foi adaptado, ele transcendeu o canal e virou um meme nacional. É o mais visto do Porta dos Fundos de todos os canais”, comenta Esteves. Hoje, o vídeo passa a marca das 62 milhões de visualizações. Com a repercussão, naturalmente surgiu o interesse em transformar o projeto em série de ficção. As gravações, porém, foram interrompidas com os atrasos impostos pela pandemia do COVID-19, retomando apenas dois anos depois. O atraso e as expectativas sobre o projeto trouxeram, de início, uma reação adversa por parte do público. “Quando anunciaram para o público mexicano que a série do tenente ‘Harina’ iria existir, o feedback não foi positivo”, conta Esteves. Havia a impressão de que, nas palavras de Pedro, eles iriam “requentar um meme de 2019 para uma série original”. Além disso, segundo o roteirista, o público esperava um tom mais exagerado do humor, um caminho que não foi trilhado pela equipe. “O desafio era pegar uma personagem de uma esquete cômica de 2 minutos e meio e dar uma vida para ela, uma humanidade, um drama, uma história. E a gente fugiu da comédia pastelão. A série é quase uma dramédia com suspense.” - Pedro Esteves Da batalha do tenente com o vício em drogas à luta para não perder a guarda da filha, são muitos os elementos que conferem profundidade à série. E, já no lançamento, “Harina” foi muito bem aceita pelo público. Pedro Esteves conta que “depois da estreia da série, todos os comentários eram assim: ‘achei que seria uma merda, mas me surpreendi muito. A série está excelente!’”. “As pessoas não esperavam nada e a gente entregou bastante”, completa. Dois meses depois da estreia de “Harina”, a série segue disputando espaço no top 3 das séries mais vistas no México pela Amazon Prime Video, alcançando até mesmo o top 10 norte-americano. Com a estreia no Comedy Central Espanha, “Harina” foi responsável por subir a audiência do canal em 60%, dando uma prévia do sucesso que deverá fazer aqui no Brasil. Por fim, Pedro Esteves conta que a série foi escrita integralmente em parceria com Carlos Reichel e seus estilos se complementaram para alcançar o sucesso que foi. Os roteiros, que foram inicialmente escritos em português e traduzidos posteriormente para o espanhol, sofreram algumas mudanças para melhor se adaptar aos elementos culturais mexicanos - um trabalho que, como supervisor de conteúdo da Backdoor México, Esteves está mais do que acostumado. Antes da sua estreia no Comedy Central, “Harina” pode ser assistida na íntegra no Brasil através da plataforma Prime Video. Confira o trailer: